El universo del cómic es un espacio abierto para la experimentación a la hora de contar historias. A través de él se puede hacer humor, críticas sociales, crear mundos de fantasías e, incluso, contar intimidades. Para interiorizarnos sobre las posibilidades de este lenguaje plástico es necesario entender qué es exactamente un cómic y qué elementos lo componen. Luego, con esa comprensión, podemos comenzar a organizarnos para expresar, a través de viñetas, el mensaje que queremos transmitir.
Técnicamente, un cómic es un relato explicado mediante viñetas o recuadros que contienen ilustraciones. Algunas o todas las viñetas pueden contener, además, un texto más o menos breve. El cómic se considera, como el cine, un arte secuencial porque trata de contarnos una historia a través de secuencias. Esto, que parece muy moderno, es en realidad muy antiguo: el arte secuencial tiene sus antecedentes más remotos en las pinturas rupestres, en los jeroglíficos egipcios y en la cerámica griega. De todas formas, durante la mayor parte de la historia reciente el cómic fue considerado algo infantil. Recién en la década de los años 60 apareció una forma de expresión adulta y compleja que permitió que indague en temas serios.
Dibujar un cómic no es solo coger el lápiz (físico o digital) y ponerse al lío, detrás hay más técnica de la que parece. «Como editores, obviamente, conocemos la parte técnica de cómo se hace un cómic, pero a lo largo de todos estos años hemos ido aprendiendo muchas cosas gracias a trabajar con los autores a los que hemos publicado -comenta Yolanda Dib, responsable de Marketing y Comunicación de Grafito-. Y por eso teníamos ganas, desde hacía tiempo, de poder compartir todo ese conocimiento que ellos tienen, que han compartido con nosotros, que hemos aprendido, para que lo tengan tanto aquellas personas que tenga inquietud por dibujar cómic, por dedicarse a esto, como para lectores.
Los autores elegidos, Laurielle, Sara Soler, Agustín Ferrer Casas, José Fonollosa, El Flores, Zoraida Zaro, Bea Tormo, Gema Over, Meik, Ares, David Baldeón, Álvaro Ortiz, Guillermo Lizarán, Deliciest, Xulia Vicente y Rubén Fdez, son todos conocidos y amigos de la editorial, «autores que valoramos y que admiramos», comenta Guillermo Morales, director editorial de Grafito. «Sabemos que cada uno de ellos tiene multitud de trucos para contar cómics, trucos de narrativa gráfica. Y lo que queríamos era que cada uno de ellos explicase uno en concreto que utilizara a diario. Cada dibujante eligió la técnica con la que se sentían más cómodos, pero también se aplicaron ciertos criterios por parte de la editorial. El principal, que debían ser trucos gráficos, no de guion ni de cualquier otro tipo. Y que fueran técnicas que utilizaran de manera común. «Esto es un manual en el cual un montón de autores de primer orden te explican un montón de trucos. Si tú llevas toda la vida dibujando o si tú te estás iniciando, vas a encontrar maneras diferentes a la tuya para hacer que tu cómic sea mejor. Las reglas expuestas en esta guía ilustrada son universales, aunque después cada autor emplea sus propias técnicas y da la vuelta a esas reglas, incluso llegando a romperlas.
El Arte de la Viñeta: Más que un Simple Recuadro
Las viñetas son los recuadros que rodean cada escena que sucede en los cómics e historietas, y su trabajo es transmitir una idea mediante una ilustración. Más allá de su contenido, la viñeta es una herramienta narrativa en sí misma. La idea presentada en cada viñeta debe funcionar sin las viñetas contiguas. La imagen debe transmitirle al lector: “lee esta idea y pasa a la siguiente”. Comienzo dibujando las miniaturas de las viñetas para hacerme una idea de cómo quiero guiar la lectura de mi historieta. A menudo trabajo en cada viñeta de forma individual para que los elementos que añadiré más tarde o las viñetas grandes sean del mismo tamaño. Quiero que las viñetas guíen al lector de izquierda a derecha y hacia abajo para que sigan el patrón de lectura habitual en occidente.
Los distintos tipos de viñetas existentes son herramientas narrativas muy útiles para elaborar una historieta. A pesar de que la mayoría de ellos son bastante comunes, sus múltiples usos y combinaciones pueden dar dramatismo a tu historia. Por ejemplo, si alargas una acción en varias viñetas, puedes hacer que dure más, además de mostrar detalles o el curso de una acción que de otra forma se pasaría por alto. Si cada viñeta es una idea, el trabajo de estos espacio es dar tiempo al lector para interiorizar el contenido de la primera viñeta antes de conectarlo con el de la segunda.
Si quitamos los bordes de las viñetas, es probable que el contenido de estas se junte en una mezcla confusa o incluso que parezca que dos acciones están sucediendo al mismo tiempo. Las formas y las líneas de las viñetas también pueden servirnos para contar nuestra historia. El tipo de borde puede utilizarse para representar el cambio a un nuevo mundo o incluso para evidenciar un flashback o una premonición. Por ejemplo, puedes denotar un flashback con un borde ondulado y una premonición con un borde de líneas discontinuas y marcadas. A veces, puedes dar más impacto a un elemento o a una acción en particular si no pones bordes a esa viñeta. Esta técnica suele funcionar mejor con la silueta del personaje o con un objeto importante.
Hoy solo hemos visto unos cuantos ejemplos de viñetas de cómic, pero hay muchas más formas de contar una historia. Con la experiencia, acabarás desarrollando tu propio estilo para dar dinamismo y el tempo que buscas. Soy Steve Ellis, ilustrador y dibujante de cómics estadounidense. Soy el artífice de High Moon de Werewolf Western y de la serie de aventuras The Only Living Boy y The Only Living Girl. También he trabajado en proyectos de ilustración para Marvel, DC, Image, Wizards of the Coast, Fantasy Flight Dark Horse, Blizzard, entre muchos otros clientes.
Tipos de Viñetas y su Función Narrativa
Al elaborar una historieta, debes establecer los tipos de viñetas que utilizarás, pues serán estas quienes te ayuden a delimitar todo lo que será el rumbo de tu obra. ¿No tenías esa información? Para elegir la composición de viñetas para historietas, la primera regla que debes aprender es que no existen reglas. Sin embargo, ¡la creatividad también necesita bases!, ¿verdad? Así que, conocer los diferentes tipos de viñetas para historietas te ayudará a tener un banco de ideas para dibujar tus primeros bocetos.
“Las viñetas son el encuadre específico que le damos a un acontecimiento de nuestro relato. Con las viñetas escogemos la toma de cámara y los planos. Según el portal Clip Studio, las viñetas de una historieta representan un instante de tu narración. ¿Cómo es esto? Mientras vemos una peli o una serie de anime, como espectadores, solo tenemos que ver cómo suceden los acontecimientos mientras la animación transcurre. Entonces, ¿cómo podemos manejar los tiempos en el cómic y cómo definimos que hay ciertos acontecimientos que son más importantes que otros? “La respuesta yace en las viñetas. (...) Hay algunas viñetas que son más grandes que otras, mientras más grande sea la viñeta, más tiempo el lector se quedará leyéndola. ¡Listo! Con lo básico cubierto, entonces, ¿cuáles son los tipos de viñetas y para qué sirven? Aquí nos metemos en las profundidades de los tipos de viñetas de una historieta que no son pocos (ya verás). Aunque puedan parecer intrascendentes, los márgenes son un elemento esencial dentro de toda historieta.
Clasificación de Viñetas:
- Viñetas abiertas: Aquellas que no tienen límite. Sus márgenes no están cerrados y solo acaban donde termina la página, produciendo una sensación de espacio abierto e infinito.
- Viñetas cerradas: Limitadas por todos sus lados, sus márgenes no sobrepasan los de la página.
- Viñetas ortogonales: Con todos sus lados rectos, forman rectángulos o cuadrados, siendo generalmente cerradas.
- Viñetas que salen de los márgenes: Los objetos y/o personajes salen parcial o completamente de su cuadro para destacar algo de gran importancia y dar dinamismo. Es crucial ser claro con el lector para que identifique a qué viñeta pertenece el elemento destacado.
- Viñetas de una o dos páginas: Utilizadas para dar énfasis a una escena. Su uso debe ser lógico, comenzando la acción en la izquierda y desplazándose hacia la derecha en páginas dobles.
- Viñetas interiores: Se encuentran contenidas dentro de otras viñetas más grandes.
- Viñetas decorativas: Los márgenes se convierten en parte del dibujo para ambientar momentos o situaciones concretas de la trama.
- Viñetas para generar sensaciones: Buscan sumergir al lector más en la trama.
Los tipos de viñetas de corte recto son los más utilizados en el manga. También existen viñetas sin límites aparentes, clasificadas según su forma.
Formas de Viñetas:
- Rectangulares y cuadradas: Los tipos más comunes y fáciles de realizar, con ángulos rectos, brindan una sensación de neutralidad y estabilidad.
- Rectangulares verticales: Brindan una sensación de neutralidad y estabilidad, generando que el tiempo parezca detenerse en la escena.
- Triangulares: Utilizadas con un propósito concreto, ofrecen un escenario dinámico y de acción, pudiendo generar sensaciones de alerta o proximidad según la punta.
Por supuesto, estos tipos de viñetas no son los únicos. La primera regla sobre la composición de viñetas es que ¡no hay reglas! Sin embargo, unos consejos puntuales pueden ayudarte a mejorar tu arte.
Como hacer VIÑETAS con vida para tus cómics o manga
La Composición de la Viñeta: Guiando la Mirada del Lector
La composición es la organización de los objetos en la viñeta. Permite al dibujante llevar la mirada del lector al lugar indicado, ya que es la forma de crear la acción en un cómic. Será muy importante tener dos cosas en cuenta: en primer lugar, saber mantener el equilibrio para que la mirada del lector no se vuelva estática, y en segundo lugar, saber remarcar el punto de mayor importancia en una viñeta.
Principios de Composición:
- Composición por simetría: Los personajes se distribuyen simétricamente en la viñeta en torno a un eje central imaginario. Si los elementos están equilibrados, la sensación será armoniosa, aunque menos dinámica. Útil para situaciones de gran simbolismo.
- Composición por asimetría: Los pesos se distribuyen a diferentes distancias del eje. Un peso mayor se colocará más cercano al eje y un peso menor más lejos, rompiendo la simetría pero manteniendo el equilibrio y aumentando el dinamismo. La regla de oro: "Cuanto más “pesado” sea un elemento, más cerca del eje debe estar".
- Por disposición geométrica: Los elementos de la viñeta se distribuyen siguiendo formas poligonales, circulares, ovaladas, triangulares, o composiciones en L o en zigzag.
Las portadas también siguen principios similares, evitando dividirla en mitades o cuartos para no generar un equilibrio monótono. Algunas portadas distribuyen los elementos según la regla de los tercios, utilizando los puntos de intersección de líneas imaginarias para distribuir los elementos de la escena.
Puntos Focales:
Es importante saber remarcar los puntos focales de una viñeta para asignar mayor importancia a unos elementos que a otros. Se trata de hacer referencia al punto de mayor interés de la composición. Si la viñeta carece de este refuerzo, será una ilustración sin nada que destacar.
Existen muchas formas de darle importancia a un determinado elemento de la composición:
- Contraluz y siluetas: Aprovechar el contraste entre blanco y negro para remarcar un punto focal.
- Uso de la perspectiva: Mover el punto focal hacia un lado y usar la perspectiva para remarcarlo, evitando la monotonía.
- Señalización: Señalar el punto focal mediante objetos, figuras e incluso onomatopeyas.
- Tamaños: Poner el punto focal con un tamaño más grande que el resto (o a la inversa), jugando con los contrastes.
- Más detalles para el punto focal: Trabajar detalladamente la figura principal (textura, contornos...) y dejar con menos detalles el resto de elementos.
- Menor detalle para el punto focal: Utilizado cuando se pretende destacar figuras pequeñas en un fondo grande, por ejemplo, un elemento en un fondo panorámico.
El repertorio de recursos utilizados por dibujantes como Ibáñez a la hora de componer viñetas es inmenso. El dibujante sabe dar equilibrio a sus viñetas, aprovechar los principios de simetría o asimetría según le convenga y llevar la mirada del lector a los puntos más importantes de cada viñeta jugando continuamente con los puntos focales.
El Ritmo y la Secuencia: El Flujo de la Historia
Como dibujante de cómics, he podido experimentar con muchas formas distintas de contar una historia. Una buena historia necesita un tempo bien medido, una lectura que fluya y un equilibrio en todas sus partes. También es crucial cómo y dónde comienzan o terminan las escenas y secuencias.
El orden de lectura en occidente va de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo. Siempre debes intentar que las páginas puedan respirar y hacer que su estructura sea lo más interesante, fluida y comprensible que puedas. Las viñetas abiertas, al contrario que las que se suelen utilizar, no tienen límites. Son similares a las viñetas flotantes en cuanto a ir sin delimitar y con otras viñetas cercanas por encima, pero suelen utilizarse para dar una mayor sensación de amplitud o de impacto. Teniendo en cuenta que también suelen ir a sangre, hay mucho más espacio para la imagen y, por lo tanto, da una mayor impresión. Normalmente se utilizan para crear un mayor impacto.
El orden de viñetas es crucial en la narrativa visual del cómic, pero también lo son el tamaño de las viñetas y la estructura de la página. En este sentido, es importante tener en cuenta que los diferentes tamaños de viñetas pueden influir en la lectura y en la comprensión de la historia por parte del lector. Por ejemplo, una viñeta pequeña puede generar la sensación de velocidad o de acción frenética, mientras que una viñeta grande puede crear un efecto de pausa o de contemplación. Además, la estructura de la página es fundamental para que el lector pueda seguir fácilmente la historia. Si la disposición de las viñetas no es clara, el lector puede perderse en la lectura y no comprender bien la secuencia de los acontecimientos.
Para crear una estructura de página clara en tu cómic, puedes seguir algunos consejos básicos. Por ejemplo, es importante que las viñetas estén dispuestas de manera coherente y que exista un flujo visual natural que guíe al lector de una viñeta a otra. También es recomendable utilizar elementos visuales como flechas o líneas que conecten las viñetas y que ayuden a seguir la secuencia de la historia.
Uno de los errores más comunes al dibujar un cómic es utilizar viñetas demasiado pequeñas o demasiado grandes. Es importante que el dibujante utilice viñetas del tamaño adecuado para el momento y la acción que se está representando. También es importante evitar saltar viñetas o leerlas en el orden equivocado.
El orden de viñetas es una parte esencial de la narrativa visual en el cómic. Saber utilizarlas adecuadamente es fundamental para contar una buena historia y crear una experiencia de lectura fluida y natural. Ya sea que se trate de la lectura occidental u oriental, el dibujante debe prestar atención al orden de las viñetas y utilizar recursos narrativos que permitan una lectura clara y coherente. Recuerda utilizar viñetas del tamaño adecuado para cada momento y acción, y prestar atención al flujo natural de la página. Con estos consejos, podrás mejorar tu narrativa visual y crear cómics más impactantes y fáciles de leer.
El Cómic como Lenguaje: Más Allá del Dibujo
El cómic se considera, como el cine, un arte secuencial porque trata de contarnos una historia a través de secuencias. «Es un idioma que es muy similar, en cuanto a planos, al idioma del cine. Si tú haces un zoom, tiene un significado; si haces un contrapicado, da tensión. En el cómic, tres cuartos de lo mismo. Pero, sin embargo, en el cine es un lenguaje que va pegado al tiempo, pero en el cómic no, va pegado al espacio. Tú puedes hacer un montón de cosas que en el cine no. También, aparte, juegas con texto, con onomatopeyas y con el posicionamiento dentro de las páginas. ¿Es el idioma del cine en papel? No, es diferente.
«¿Cada maestrillo tiene su librillo? Por supuesto que sí, es más, cuando tú ya conoces a un autor, cuando conoces la obra de un autor, te das cuenta de que hay determinados autores que les gusta más hacer cosas. Hay autores que dices “este es un maestro de las onomatopeyas”, “este es un maestro de la tensión y de los rostros…”. Todos tienen sus preferencias.
Se trata del formato cómic más largo. A través de él se puede crear un universo más grande. Las viñetas, por ejemplo, pueden cambiar su tamaño de acuerdo a lo que se quiere representar. Hay un desarrollo más gráfico y la narración tiene otro tiempo. Mafalda es un clásico que mezcla humor con política. Se trata de cómics que exploran universos de ficción y hablan de seres que van a más allá de lo humano. Empujan los límites de la realidad y lo concreto. La lectura puede ser caótica. Estos cómics se ajustan a hechos reales y quieren dejar una crítica, repasar, contextualizar. Reflejan cierta opinión del autor y generan cierta crítica, cierto cuestionamiento que puede, con el tiempo, ser un valioso testimonio para entender contextos sociales. Cuando se trata esta temática, generalmente, hay mucho texto, mucha escritura personal. Suelen ser historias que se cuentan en viñetas de principio a fin y que exploran temas a través de situaciones chistosas. El humor suele acomodarse mejor a formatos más cortos porque requiere de una rapidez de comprensión que lleva siempre a un remate gracioso. Esta es una temática que, aunque puede ser desarrollada narrativamente de una forma densa, suele funcionar muy bien en formatos cortos y mezclada con humor. Snoopy crea un mundo de fantasía en el que un perro es el protagonista.
- Los recursos simbólicos: la lamparita, que representa una idea, o los zzzzz que representan dormir, son parte de este lenguaje.
De acuerdo a Sol, el webcómic tiene todas las características del cómic pero no presenta demasiada linealidad, es decir, no nace en ningún momento en particular ni busca ninguna resolución, solo comenta la realidad. Es parecido a los cómics publicados por diarios en los que a los personajes no necesariamente les pasaba algo en particular sino que, más bien, acompañaban la vida de las personas como si existieran realmente en algún lugar.
Para crear un cómic necesitas habilidades básicas para ilustrar y habilidad de observación y creación. Luego, claro, necesitas herramientas técnicas básicas como, por ejemplo, una metodología de trabajo que te permita bajar tus inspiraciones a viñetas reales. Algunos expertos recomiendan también que los creadores de cómics adquieran herramientas de cultura general y se interesen por muchos campos del saber. Cuánto más rico sea el universo interior de un creador, más interesante será, seguramente, lo que pueda contar. En todo caso, la habilidad de contar historias es innata en el ser humano y puedes aprovecharla adquiriendo las herramientas que funcionen para ti.
Lo primero que tienes que considerar es que bajo la etiqueta de "cómic independiente" se esconden numerosos géneros y formas de entender el medio, casi tantos como dibujantes existen. Esto hace que cada editorial acabe persiguiendo una línea distinta definida por la (múltiple) personalidad de sus autores. Para conseguir publicar hace falta talento, una personalidad autoral definida y mucha, pero que mucha, perseverancia. Y, sobre todo, entender qué es lo que buscan las editoriales.
¿Te gustaría aprender a crear tus propias viñetas a partir de tus experiencias personales?
No se trata solo de dibujar, sino de entender la narrativa, el ritmo y la composición para que cada viñeta contribuya a contar la historia de la manera más efectiva posible. La cantidad de viñetas por página puede variar enormemente, y no hay un número fijo. Depende del género, del ritmo deseado, de la complejidad de la escena y del estilo del autor. Sin embargo, una página de cómic occidental típicamente contiene entre 5 y 7 viñetas, aunque esto puede variar significativamente.