La creación de novelas gráficas ha evolucionado enormemente, y aunque a menudo se asocia con software de edición profesional, existe un subgénero fascinante que demuestra que la creatividad no conoce límites: las novelas gráficas hechas con Microsoft Paint. Este programa, a menudo subestimado, se ha convertido en la herramienta principal para artistas que buscan explorar narrativas visuales únicas y accesibles.
La diferencia entre un cómic y una novela gráfica es en gran medida semántica. Un cómic es más un término general que se usa para describir cualquier forma de cómic en la que se unen numerosas páginas de cómic. Podrían ser cuatro páginas, podrían ser 600. La novela gráfica suele ser una colección más gruesa, más de 80 páginas como ejemplo. Aunque la mayoría de las veces se usa más específicamente para cómics de formato largo que tienen una trama general larga en lugar de episódicos o sin secuencia, independientemente del número de páginas.
Lo que llamas tu propio cómic va a ser lo que se sienta bien. Personalmente, uso el término cómico muy simple cuando me refiero a mi propio trabajo oa los cómics que leo.
Creando tu Obra en Paint: Consideraciones Técnicas
Al adentrarse en la creación de novelas gráficas, especialmente con herramientas como Paint, es crucial entender ciertos términos técnicos que aseguran un resultado profesional:
- Sangrado completo, área segura y línea de recorte: Estos términos se utilizan para describir la línea de límite específica en una página de historietas. La línea de corte es la línea donde se cortarían las páginas cuando se imprimieran y encuadernaran en un libro. Todo lo que esté fuera de esa línea se cortará, por lo que nunca querrás poner nada importante allí, como globos de texto, efectos especiales o detalles del dibujo. El sangrado completo, o simplemente sangrado, es la línea justo fuera de la línea de corte que funciona como una protección segura cuando se cortan las páginas. El área segura es literalmente el área en la que es seguro trabajar. Todo el trabajo dentro de esa área debe estar a salvo de errores de corte, por lo que desea asegurarse de que todo lo importante esté en esa área y no se extienda fuera de ella. Hay muchas guías en línea que puedes encontrar que te dan una buena idea junto con ejemplos visuales.
Tamaño de Página y Formato
El tamaño de página es una pregunta muy, muy complicada de responder. En su mayor parte, si está trabajando con un editor, como el trabajo interno realizado por grandes nombres como Marvel y DC, le dirán exactamente en qué tamaño quieren que trabaje. Ese podría ser un lienzo de 11 "x 17". , que luego se reduce para la impresión. Sin embargo, si se autopublica, puede usar el tamaño que desee, siempre que sea coherente. Si comienza un cómic en un formato cuadrado, querrá seguir usando ese formato y no cambiar a un rectángulo. Eso se puede hacer, pero requerirá mucho trabajo adicional de edición para que las páginas no tengan grandes espacios vacíos o se estiren. Esto puede costar tiempo y dinero, y se verá menos profesional. Cuando publicas por tu cuenta, las imprentas pueden cortar la página del tamaño que quieras, siempre y cuando pagues.
El Proceso Creativo: Consejos para Artistas
Iniciar un proyecto de novela gráfica puede ser abrumador, pero algunos consejos prácticos pueden facilitar el camino:
- Empieza pequeño: Sé que quieres trabajar en una gran historia desde el principio, pero es realmente mejor trabajar en algo más pequeño para aprender. Piense en ello como un maratón: desea comenzar a hacer ejercicio mucho antes de llegar a la línea de salida, no directamente desde el sofá. Además, su larga historia puede tardar años, si no décadas, en completarse. Sin embargo, eso no significa renunciar a la historia. Siempre puedes crear historias cortas en el mundo de ese cómic, o con esos personajes.
- Escribe y dibuja por ti mismo: Disfrutarás mucho más de las cosas y encontrarás una mejor audiencia si trabajas en algo que te haga feliz. Sin embargo, el hecho de que te guste algo no significa que tendrás una audiencia garantizada.
- Pide ayuda: Hay muchos grupos y personas individuales que con gusto leerán tu cómic y te darán consejos. La cosa es que tienes que pedirlo primero. Encuentre foros, subreddits, grupos de discordia, etc.
- Los atajos son buenos: El lector promedio pasa menos de dos segundos por panel en cada página, independientemente de los detalles. Utilice modelos 3D, pinceles para sellos, cualquier cosa para facilitar su trabajo. Tu historia es tan detallada como tu guión.
- Paciencia: Eso es lo que le sobra a Patrick Hines.
Patrick Hines: Un Pionero de la Novela Gráfica con Paint
Patrick Hines es un ejemplo inspirador de cómo Microsoft Paint puede ser una herramienta poderosa para la creación de novelas gráficas. Este escritor e ilustrador de Boston ha logrado lo que parecía imposible: ilustrar una novela con Paint sin que le confundan con un niño. Por ejemplo, aquel niño que cerró Paint por primera vez en 1995 y que tardó nueve años en volver a abrirlo. Si a Hines le sobraba la paciencia es porque el tiempo también estaba de su parte. Cuando trabajaba como recepcionista de un hospicio por las noches, Paint se convirtió en una de sus escasas opciones mientras escuchaba podcasts e historias de fantasmas.
Su obra "Camp Redblood and the Essential Revenge" iba a ser el guion de una película. Lo que sí se quedó con él fue una idea: un campamento de verano en el que ocurrían cosas escalofriantes. En Camp Redblood, un lugar en el que los bosques están embrujados y los caminos traicionan, un grupo de adolescentes se enfrenta a bestias desconocidas, fantasmas y más adolescentes entre resaca y resaca. Las plataformas de autoedición le ayudaron a creer en su proyecto y pronto comenzó a ganar visibilidad gracias a varios medios. Sabía que por su rareza y dificultad, podría llamar la atención, pero también que no tenía elección: «No podía permitirme el uso de Photoshop u otros programas cuando tenía veintitantos y trabajaba en una recepción en la que no había nada más que hacer salvo usar Paint».
El artista pronto vio el lado positivo de su limitación y creyó que le permitiría que sus habilidades «prosperaran». A Hines le gusta la calma, el «ritmo lento y deliberado». Por supuesto, se presenta en redes sociales con Comic Sans. El ilustrador confiaba en Paint y desde el principio recurrió a un lema que evidencia que ambos forman un buen equipo: «Dibuja grande, muestra pequeño». «Supe que Paint podía ser hiper detallado cuando descubrí que podía hacer que el tamaño fuera tan grande como deseara. Mi mayor problema con el lápiz y el papel es que nunca tuve la habitación o los fondos para grandes lienzos».
Es habitual asociar Paint al dibujo poco profesional, incluso rudo e infantil. Ya ha recibido muestras de agradecimiento desde Microsoft: «Presentaron mi trabajo en su blog de Investigación y Desarrollo de Nueva Inglaterra, y esa fue la primera exposición real que tuvo lo que estaba haciendo. De todos modos, ha aparecido más gente en los últimos días y espero que derive en algo más con ellos. ¡Una subvención del Sr. El ilustrador estadounidense asegura que no se organiza para trabajar. Al principio utilizaba el tiempo del almuerzo y las horas muertas en el trabajo para ilustrar, cuando aún le quedaba mucho por aprender. «Entonces no sabía la diferencia entre JPEG y un BITMAP, así que guardaba como JPEG y luego me preguntaba por qué parecía una basura.
Ana Galvañ: Explorando la Vanguardia y la Industria del Cómic
Ana Galvañ, autora de cómics e ilustradora, fundadora de plataformas de cómics digitales y comisaria de exposiciones, comparte su perspectiva sobre la evolución del medio. Galvañ comenzó su carrera dibujando desde niña, influenciada por cómics juveniles, anime y posteriormente por el cómic independiente americano de autores como Daniel Clowes y Chris Ware.
“Mira, Ana, tus colores” le digo a Ana Galvañ (Murcia, 1980) en la cafetería del madrileño barrio de La Latina en la que celebramos esta entrevista. Con la ilusión de que dicho cromático artefacto juegue algún papel en el reportaje fotográfico que acompaña a esta entrevista propongo sentarnos cerca para que la figura de la autora quede enmarcada por el juego de colores, sin recordar que, como es tradición en esta entrevista… esos colores se perderían después. La verdad es que Galvañ no necesita de ningún aura que la engalane, dado que su carrera como artista gráfica -autora de cómics e ilustradora, pero también fundadora de plataforma de cómics digitales y comisaria de exposiciones- habla por sí misma. Así que hablamos. Hablamos de cómics, de la vida del dibujante, de la industria del cómic, de vanguardia. Y también de colores. Uf. Espera que piense un poco. Pues es que yo ya era una cría que me pasaba un montón de horas dibujando encerrada en mi habitación. Era la típica niña con un mundo interior muy grande y mis padres además eran muy conscientes de ello. Valoraban la faceta artística porque el hobby de mi padre también era dibujar y le gustaba el cine y la ciencia ficción. También hay bastantes músicos en mi familia. Entonces ellos fomentaron mi faceta artística y cuando quise entrar en la Escuela de Artes y después hacer Bellas Artes, me apoyaron. Así que tuve bastante suerte porque podría haber hecho otra carrera. ¿Qué te inspiraba a dibujar? Lo tengo muy claro porque me lo han preguntado muchas veces (risas). Empecé con Mortadelo, Zipi y Zape y el cómic juvenil en general. Pero enseguida me enganché al anime en la tele. Pasaba mucho tiempo viendo series de animación que después me compré en formato físico. Por ejemplo, Dragon Ball, que la veía con mi hermano… me emocionaba muchísimo. Nos lo sabíamos todo en valenciano porque lo veíamos en el Canal 9. Y después lo que hice fue comprarme todos los cómics. Y una de las series que más me gustaba era Ulises 31. Mis padres, que eran muy majos, me compraron la carpeta, los pósteres, todo el merchandising. Y Robotech.
Galvañ reflexiona sobre el término "vanguardia" y su relación con el arte. A veces nos avergonzamos mucho de ciertas cosas, de ciertos términos o etiquetas. Por ejemplo, a mí me costó mucho reconocer que soy artista porque mi inclinación era hacia el antiarte o hacia la prodemocratización del arte. Coincidí mucho con una filosofía más cercana a Bauhaus o a los constructivistas. La obra única no me interesaba, sino que lo que se podía reproducir y llegar a masas era igual de válido. Por lo que no me interesaba el arte en sí. Al concepto de arte de galería, me refiero. Por eso me ha costado reconocer con el tiempo que yo hago arte. Pero es que es verdad. Al final es un arte, el cómic, igual que las demás. PMe pasa lo mismo con el término vanguardia, que da mucha vergüenza. No creo que yo esté haciendo exactamente vanguardia, pero sí que sigo a gente que la está haciendo. Y creo que están cambiando los códigos, la forma, el fondo y todo lo que tiene que ver con el lenguaje del cómic.
Destaca la diferencia generacional en la formación de autores de cómic. Hay como dos generaciones de autores y autoras que tienen desarrollos diferentes en su formación. La vieja escuela, por así decirlo, tiene la figura del mentor y las generaciones más jóvenes tienen una influencia más horizontal, con los compañeros de la misma quinta, que están pasándose referencias todo el rato. Yo creo que me he movido más en un entorno de iguales. También pasa que en las generaciones más jóvenes no sienten esa influencia o ese gran respeto hacia la generación anterior que hacía algo parecido en los ochenta, sino que han roto con ellos. Es algo que está bien, pero a veces también me entristece. Pero me parece respetable. En mi caso, no he roto tanto porque me alimento del pasado, del presente y del futuro. Me alimento de todo. Me siento muy satélite, pero voy absorbiendo. Es verdad que todas estas generaciones fanzineras son muy autodidactas. Sienten que no le deben nada al pasado. Y por otro lado, aunque quede un poco soberbio, está bien porque es una forma de romper muy radicalmente con algo. Entonces lo respeto.
Galvañ ha participado en numerosas obras colectivas, destacando "Todas putas" y "Enjambre" por ser antologías pioneras de autoras en España. También menciona su participación en "Hoodoo Voodoo" y "Teen Wolf", proyectos que le permitieron establecer contactos y explorar nuevas vías creativas. El proyecto "Teen Wolf" surgió de la idea de explorar la temática del "high school" desde una perspectiva femenina, abordando la transformación de niña a mujer de una manera más profunda y personal.
La Industria del Cómic y el Debate sobre la Novela Gráfica
Ana Galvañ aborda la compleja relación entre los formatos de cómic y novela gráfica dentro de la industria. Puedes trabajar en tiras de prensa o en humor gráfico, con historias que se cuentan en una o tres viñetas y eso se respeta. Sin embargo, haces un cómic de ocho páginas con una historia fabulosa y muy bien contada, y ese trabajo parece que se quedan en tierra de nadie. Sí, totalmente. Y es que además te estás metiendo en un tema que a mí me interesa. Yo no es que sea divulgadora, pero me interesa la industria y hacia dónde va el cómic. Y en ese sentido creo que ha hecho bastante daño la novela gráfica. O llamar novela gráfica a los cómics. Sobre todo porque hay gente que lo defiende como un formato, que tampoco funciona porque estás dejando fuera muchos otros formatos.
Es verdad que yo he sentido (y siento) presión por hacer una historia larga. Y después de este cómic, que siguen siendo historias cortas un poco más largas de lo normal, me han seguido diciendo «jo, pero es que yo esperaba algo largo». También lo entiendo, porque cuando creas una historia larga le das tiempo al lector a conocer e identificarse con los personajes… a profundizar más. Con las historias cortas estás «dentro y fuera» muy rápidamente. Luego tienes que volver a conectar en la siguiente historia. Son más difíciles de leer. Pero por otra parte me parece que es un formato que tiene que ser igual de válido que el largo. Pasa pues como con el cine, que el corto está infravalorado. Claro. Y en literatura de vanguardia. Está muy consolidado y aceptado el relato corto. Se dan premios al relato corto. Aquí, imagínate, es muy difícil que un cómic de historias cortas se lleve algún premio. Pero bueno, todavía estamos en ello. También creo que hay autores que se quedan fuera de premios de salones por hacer otros formatos que no sean novela gráfica. Por ejemplo, Paco Alcázar, Miguel Brieva… O Monteys, hasta ahora, hasta que no ha sacado historias más largas, no ha sido valorado. Pues son autores que tendrían que haberse valorado antes. Al final parece que hacemos como Daniel Clowes, que sacaba su Bola 8 y al final se montó Ghost World.
Creación de eBooks y Publicaciones Digitales con Clip Studio Paint EX
Liz Staley, una reconocida usuaria de Clip Studio Paint (anteriormente Manga Studio), ofrece una guía detallada sobre cómo crear y distribuir trabajos en formato PDF, incluyendo novelas gráficas, utilizando la versión EX del software. Distribuir o vender tu trabajo en formato PDF es una forma a menudo pasada por alto de conectar con tu audiencia o ganar un poco de dinero extra. Para crear eBooks en CSP, necesitarás tener la versión Clip Studio Paint EX (no PRO), ya que esta versión te permitirá crear archivos de varias páginas.
En esta primera sección, configuraremos un archivo de varias páginas en CSP EX. En la parte superior de esta ventana, asegúrate de introducir un Nombre de archivo y también de elegir una carpeta para guardar tu proyecto. Las imágenes que quiero poner en este libro son de 8x10 pulgadas, así que esa será la anchura y la altura en la sección "Lienzo". Si estás creando un libro que será solo en formato digital, la sección "Configuración de cómic" es menos importante que si vas a crear este PDF para imprimir. Como no voy a imprimir este libro, estoy configurando mi tamaño de recorte al mismo tamaño que la anchura y la altura establecidas en Lienzo. La configuración de Borde interior es donde ajustaré los márgenes interiores de las páginas. Sí quiero una página de cubierta para este eBook, así que marca la sección "Página de cubierta" para activarla. En la parte inferior izquierda de la ventana Nuevo archivo, haz clic en la casilla de verificación junto a la sección "Varias páginas". Ahora es el momento de decidir cuántas páginas queremos. Siempre puedes añadir y eliminar páginas más tarde. Establecí el punto de encuadernación a la izquierda porque, si lo imprimiera, querría que estuviera encuadernado por la izquierda. Haz clic en Aceptar para crear el archivo.
Para este ejemplo, estoy creando un libro de arte con una colección de mis dibujos. Si estás creando, por ejemplo, una novela gráfica, entonces quizás quieras comenzar el proceso de dibujo del cómic en este punto. Sin embargo, yo añadiré algunas imágenes y texto a cada diseño. Haz doble clic en una de tus páginas para abrirla y editarla. Elige el archivo de imagen que deseas importar y haz clic en Abrir. Tu imagen se importará con un cuadro delimitador a su alrededor que te permitirá escalar, rotar y mover la imagen a donde quieras colocarla. Elige la herramienta de texto y haz clic en el lienzo para añadir tu título. Mientras usas la herramienta de texto, hay muchísimas opciones de edición de texto disponibles en la ventana Propiedad de herramienta. Diseña todas tus páginas con el texto y las imágenes que quieras incluir en tu eBook. Yo quería que el mío incluyera información sobre las gemas y flores que inspiraron la obra de arte, así como información sobre cómo se hizo cada pieza. Recuerda que a la mayoría de la gente le encanta escuchar sobre el proceso y los pensamientos de un artista, así que asegúrate de incluir información interesante donde sea aplicable.
Ahora que tenemos nuestro libro maquetado, ¡es hora de exportarlo a un PDF que luego podrá distribuirse como eBook! Pero primero, echemos un vistazo a una vista previa de nuestro libro. Clip Studio mostrará el siguiente mensaje mientras compila la vista previa 3D. Una vez finalizada la compilación, se mostrará la ventana de Vista previa 3D para encuadernación. Aquí podemos ver nuestro archivo tal como se vería si lo imprimiéramos y lo enviáramos para que lo encuadernaran en un libro real. Aunque aquí solo estamos haciendo un eBook, me gusta hacerlo porque a mi cerebro le resulta más fácil detectar errores. Puedes usar las flechas de dirección en la parte inferior de la ventana de vista previa para hojear el libro digital y ver las páginas. Si necesitas hacer ajustes, haz clic en Cerrar y luego abre tu página y realiza los cambios. Una vez que estés satisfecho con el aspecto de tu eBook, ¡exportaremos! Elige dónde quieres guardar tu PDF. Escribe también el Nombre de archivo con el que quieres guardarlo. En la sección Rango de páginas, puedes elegir exportar todas las páginas, solo las páginas de cubierta o solo las páginas interiores. Si has creado tu archivo con páginas dobles pero quieres exportarlas como páginas individuales, marca la casilla "Dividir páginas dobles" en la parte inferior. ¡Y listo! Si todo lo que quieres es crear libros PDF sencillos para mostrar tu arte y ya tienes Clip Studio Paint EX, ¡entonces ya tienes las herramientas necesarias!
Clip Studio Paint: Qué versión elegir (y aprovechar las OFERTAS)
El término “novela gráfica” se popularizó en los años 70, gracias a la publicación del libro A contract with God and other tenement stories, de Will Eisner. “Por fín el comic buscaba vérselas con temas que hasta entonces habían sido considerados solo propios del libro, el teatro, o el cine. La autobiografía, las reivindicaciones sociales, las relaciones humanas y la historia eran temas por los que ahora se interesaban los comics. Incluso cuando existe una continuación, una novela gráfica funciona de manera independiente. Una novela gráfica también se diferencia por su extensión, ya que no se trata de historias cortas, sino de publicaciones que pueden ir de 48 a 500 páginas.
Donde sea que busques recomendaciones sobre novelas gráficas siempre, pero siempre, aparecerá Maus. Esta novela gráfica ha logrado el reconocimiento del público como una obra maestra, en parte, por la crudeza que es narrada. No se maquilla ningún tipo de relación o sentimentalismo paterno, ni trata de reivindicar o ser una fuente de tranquilidad para el autor. La historia nos retrata una guerra civil espacial entre dos bandos y el romance prohibido de Alana y Marko quienes acaban de tener a Hazel: su hija. Aunque tenga más de 500 páginas, Blankets es una de las novelas gráficas más rápidas de leer. Esta obra autobiográfica de Craig Thompson representa el camino de un niño a la adolescencia y pronta adultez bajo la sombra cristiana; su relación con su hermano; el primer amor; y su reconocimiento personal.
Ahora ya sabes qué es una novela gráfica, conoces sus principales características y sabes en qué se diferencia de un comic.
