Esta página presenta una cronología visual de algunos títulos y personajes de cómic que se consideran relevantes en la historia del medio. La selección se basa en criterios didácticos y personales, incluyendo obras por motivos históricos, de relevancia en el medio, o por cuestiones formales, estéticas, artísticas, e incluso polémicas. Se incluyen cómics que influyeron posteriormente en otros trabajos, presentándolos en su momento histórico concreto.
Algunos cómics que forman parte de series se han ubicado en la fecha de la primera aparición o creación del personaje, especialmente en el caso de los comic-books. En otros casos, se indica la fecha de recopilación de distintas partes que forman un libro posterior, como sucede con algunas novelas gráficas o tomos recopilatorios. Las imágenes que acompañan a las descripciones no siempre corresponden a la primera edición o aparición, aunque se ha intentado que así fuera. Tampoco se ha buscado repetir autores en exceso, pero con figuras como Kirby, Tezuka o Moebius, ha sido inevitable hacer referencia a varios de sus trabajos.
Estados Unidos es indiscutiblemente el país donde el cómic se desarrolló como medio de masas. La rivalidad entre los grandes propietarios de prensa de finales del siglo XIX, William Randolph Hearst y Joseph Pulitzer, impulsó la popularización de los primeros personajes y series de cómic en sus periódicos. Durante la denominada Edad de Oro (Golden Age), que abarca de 1938 a 1956, el cómic se consolidó como una verdadera industria cultural.
En esta recopilación de cómic norteamericano, se incluyen títulos de la Edad de Oro, así como del cómic underground y el cómic independiente. La línea cronológica de esta selección de cómic norteamericano se puede consultar a pantalla completa.
LA HISTORIA DEL COMIC: Origen y Evolución (¿Hay comics de Geografía?)
Otro foco de influencia del cómic actual, especialmente en España, proviene del cómic franco-belga. Se incluyen obras europeas que pronto adquirieron una personalidad propia. Francia, gracias a su proteccionismo inicial, posee una gran tradición en el cómic, siendo la "bande dessinée" (BD) un referente en España. Si bien el tebeo español se abordará en un apartado específico, es importante destacar la influencia franco-belga.
La línea cronológica de esta selección de cómic franco-belga y europeo está disponible a pantalla completa.
La industria del Manga japonés es la más potente a nivel internacional. A pesar de su llegada tardía a Europa (en los años 80 y 90 en España), sus aficionados ("otakus") son millones. El Manga ejerce un enorme atractivo entre los y las adolescentes de todo el mundo, posiblemente porque abarca cualquier tema imaginable. España es uno de los países donde más Manga se consume, después de Japón, Francia y EE.UU.
Además de la industria japonesa, Corea del Sur y sus autores están desarrollando un cómic con creciente presencia internacional. La línea cronológica de esta selección de manga japonés se puede ver a pantalla completa.
Aunque buena parte del cómic español se nutre directamente del cómic franco-belga, también se han publicado títulos de clara influencia americana. La BD francesa tiene una fuerte presencia en España, y muchos autores españoles editan allí sus cómics antes de su publicación nacional. La línea cronológica de estos tebeos españoles está disponible a pantalla completa.
Webcómic y Cómic Digital
Se establece una distinción entre webcómic y cómic digital. El webcómic se refiere a aquellas obras creadas para su distribución y lectura online, a través de plataformas o en la web del autor, desarrollando un lenguaje específico relacionado con el método de lectura (scroll, pantallas...). El cómic digital, por su parte, se distribuye en formatos descargables para lectura offline (archivos PDF). En ambos casos, la elaboración puede ser digital o no.
A continuación, se presenta una breve línea cronológica de la aparición de algunos títulos interesantes en estos formatos. La línea cronológica de la evolución del cómic digital y del webcómic está disponible a pantalla completa.
Del Tebeo a la Novela Gráfica: Una Evolución Histórica en España
El tebeo español tiene una larga tradición gráfica que se remonta a los grabados populares conocidos como aucas o aleluyas, y a las primeras historietas publicadas en la colonia española de Cuba a mediados del siglo XIX. La historieta española experimentó un auge en la primera mitad del siglo XX, interrumpido por la Guerra Civil y la posterior dictadura franquista, durante la cual, a pesar de la censura, logró aportar algo de color a una sociedad empobrecida.
Las revistas infantiles y juveniles florecieron en la posguerra, a pesar del exilio de muchos artistas. Tras la muerte de Franco, se produjo un fugaz renacimiento de la industria con el cómic destinado a los adultos, pero la crisis económica de los años noventa obligó a los creadores a buscar otros mercados, principalmente en Estados Unidos y la Europa francófona.
Desde finales del siglo XX, las nuevas generaciones de autores han encontrado una voz propia, y el cómic español ha experimentado una notable efervescencia creativa, evidenciada por la calidad de la producción nacional y su éxito internacional. Para ofrecer una visión panorámica y precisa de siglo y medio de evolución de la historieta en España, cinco destacados especialistas han colaborado en esta historia ilustrada del cómic español.
Orígenes de la Historieta Española (1857-1939)
La tímida historieta española del siglo XIX surgió a remolque de las tendencias europeas, dadas las desfavorables condiciones políticas y económicas del país. Las primeras historietas realizadas por españoles no aparecen hasta finales de la década de 1850, desarrollándose gradualmente durante las décadas de 1860 y 1870. Estos impresos iniciales no eran monográficos, sino productos híbridos que incluían secciones didácticas, fabulísticas o de pasatiempos, entrelazadas con viñetas humorísticas e historietas.
Hacia un modelo de tebeo, a finales de los años 1910 y durante los 1920, aparecieron títulos como Charlot, TBO, La Risa o Pulgarcito, que eran revistas con contenido variado, no exclusivamente de historieta. Los primeros cómics "solo con cómic" no se popularizarían hasta la posguerra. El surgimiento de la industria editorial española se consolidó en los años 20 y 30, publicando miles de ejemplares. El tebeo en los procelosos treinta mantuvo una industria a tener en cuenta, aunque a menudo tímida debido a canales de distribución deficientes y a una falta de innovación.
Los Tebeos durante el Franquismo (1940-1975)
La Guerra Civil, la dictadura franquista y la censura marcaron la historia de los tebeos durante casi 40 años. En algunos casos, se buscaba adoctrinar a los niños con ideología partidista explícita, como en Flechas y Pelayos. Publicaciones como ¡Zas! y Trampolín contenían un fuerte sesgo doctrinal, mientras que otras como El guerrero del antifaz o Roberto Alcázar y Pedrín seguían más las pautas del relato de aventuras. Hazañas bélicas reflejaba un fuerte anticomunismo.
Fue una época más de personajes que de autores, con gran notoriedad para Zipi y Zape, Doña Urraca, Las hermanas Gilda, La familia Ulises, Gordito Relleno, Tribulete, Mortadelo y Filemón, Carpanta y el Capitán Trueno. El esquema narrativo de las series de humor de Bruguera, marcado por el fracaso constante de sus personajes, reflejaba la vida bajo el franquismo, con un horizonte social, político y económico muy reducido.
De la Revista al Comic Book (1975-1999)
Con la llegada de la democracia a finales de los años 70, nacieron revistas de humor como El Papus y El Jueves, y se publicaron historietas prohibidas de autores internacionales. Se estableció el "boom del cómic para adultos", aunque la historieta para adultos tiene sus raíces en las revistas satíricas del siglo XIX. Durante el franquismo, hubo atisbos de cómic para adultos en revistas como Can Can o en algunas páginas de revistas de humor.
El proceso hacia el cómic para adultos fue lento, marcado por la historia y la censura. En 1968 aparecieron cómics para adultos en revistas como Oriflama y en fascículos como Drácula. A partir de 1968, con revistas de terror como Dossier Negro, Vampus y Rufus, y apuntes en cabeceras como Mata Ratos, Gaceta Junior/Tintín y Trinca, se fue gestando este movimiento. El Papus, a partir de 1973, y El Jueves, en 1977, reforzaron esta presencia. Revistas autoeditadas como Butifarra! (1975) y Trocha/Troya (1977) también fueron importantes.
Con el fin de la censura, llegaron obras míticas del cómic europeo y latinoamericano. A partir de 1977, con la aparición de Totem y posteriormente Bumerang y Blue Jeans, se publicaron obras para adultos de gran calado de autores argentinos, chilenos, franceses e italianos. El boom de revistas de cómics para adultos se situó entre 1977 y 1984, con cabeceras como 1984, Comix Internacional, Cimoc, Cairo, El Víbora, Makoki, Rambla, K.O. Comics, Metropol o Madriz.
Esta época coincidió con la crisis del cómic infantil, simbolizada por el cierre de Bruguera. Los niños se volcaron al cómic de superhéroes. La falta de renovación de contenidos en los tebeos infantiles, la competencia de la televisión y la ausencia de un gran relevo generacional de lectores contribuyeron a este declive. El cierre de Bruguera se debió a múltiples factores, incluyendo mala gestión empresarial y crisis económicas.
Las ediciones de superhéroes, iniciadas en 1969, mejoraron y se institucionalizaron a partir de 1982 con Comics Forum (Marvel) y Ediciones Zinco (DC). El cuadernillo llamado comic book y la apuesta por él por parte de editoriales como Forum, Zinco, Planeta DeAgostini y Toutain Editor marcaron la evolución del medio.
Los Cambios del Tebeo durante el Siglo XXI (2000-2023)
Desde el punto de vista creativo, se vive un momento de gran fecundidad y calidad, aunque la situación económica de los autores es precaria. La calidad se refleja en los numerosos reconocimientos a la autoría española, pero existe una disociación entre la realidad del mercado y la creatividad, común en el mundo de la cultura.
En los últimos años, se han dado grandes pasos para apoyar y promover el cómic. Autoras como Keum Suk Gendry-Kim, con obras como "La espera" y "Hierba", abordan la traumática historia de Corea. Kate Beaton, con "Patos", explora la diversidad canadiense. Nora Krug, con "Heimat. Lejos de mi hogar", reflexiona sobre la memoria histórica.
El cómic histórico abarca innumerables lugares y épocas. Christian Lax, con "La misión de Alou. Una maternidad roja", se centra en la historia contemporánea de África. Jaime Martín, con "Siempre tendremos 20 años", recupera su memoria familiar. La obra "Memoria y viñetas. La memoria histórica en el aula a través del cómic" busca integrar la memoria histórica en la educación.
Marcelo D'Salete, con "Angola Janga. La historia real de los esclavos huidos y el reino que crearon en el Brasil del siglo XVI", narra la llegada de los europeos a América. Salva Rubio, Pedro J. Colombo y Aintzane Landa, con "El fotógrafo de Mauthausen", rescatan la figura de Francesc Boix.
La colección primigenia de Cascaborra Ediciones, desde 2016, ha publicado obras sobre figuras históricas como Bernardo de Gálvez, Elcano, y eventos como la Batalla de Rande. Pedro Cifuentes, profesor y apasionado del cómic, ha creado "Historia del arte en cómic" para divulgar la historia del arte de forma didáctica.
El Fisgón Histórico, ilustrador de la colección "Historietas", aporta su peculiar punto de vista sobre temas históricos, como la Comuna de París, Numancia y El Cid. La necesidad de comunicación más allá de la oralidad impulsó sistemas de representación gráfica, desde los petroglifos egipcios hasta los grabados medievales y el Tapiz de Bayeux.
La imprenta marcó un punto de partida para el cómic, con la difusión de pliegos de cordel y aleluyas. El globo de diálogo fue desarrollado por humoristas gráficos ingleses del siglo XVIII. La invención de la litografía en 1789 permitió la reproducción masiva del dibujo. Rodolphe Töpffer es considerado el popularizador del cómic moderno.
LA HISTORIA DEL COMIC: Origen y Evolución (¿Hay comics de Geografía?)
La revista Le Caricature (1830) inauguró la tradición contemporánea de la caricatura política, seguida por Le Charivari. La revista británica Punch (1841) impulsó la expansión mundial de la historieta, dirigiendo su atención a la infancia. El modelo de Punch fue imitado globalmente, influyendo en publicaciones en Alemania, Japón y Estados Unidos.
A principios del siglo XX, EE.UU. se convirtió en el principal centro de producción e innovación en historieta, con editores como Hearst y Pulitzer utilizándola para atraer a todo tipo de público. Surgieron series innovadoras como Little Nemo in Slumberland y Krazy Kat. Las tiras más populares combinaban humor físico y el tratamiento de problemas de adaptación a la modernidad.
En el resto del mundo, destacaron las novelas sin palabras de Frans Masereel y el surgimiento de revistas infantiles. El cómic norteamericano de los años 30, con Flash Gordon y Príncipe Valiente, potenció un grafismo realista y elegante, introduciendo la continuidad y el suspense. Las revistas franco-belgas como Tintín y las italianas, que prohibieron las series de EE.UU., desarrollaron sus propias identidades.
En Japón, series de aventuras infantiles como Speed Taro y Fuku-Chan, y la tira Terry y los piratas de Milton Caniff, adoptaron recursos del cine y llevaron la continuidad al extremo. La historieta en prensa se vio golpeada por el éxito de los comic-books, especialmente con la aparición de los superhéroes como Superman, Batman y el Capitán América. La Segunda Guerra Mundial influyó en estas publicaciones, pero su popularidad decayó tras el conflicto.
Tras la guerra, la historieta estadounidense alcanzó su cénit, pero pronto enfrentó limitaciones de formato y temáticas. La "daily strip" se impuso en la prensa, mientras que en los comic books triunfaron géneros como la ciencia ficción, el crimen, los animales graciosos, el terror, el romance y el western, destacando EC Comics.
Se produjeron campañas contra la historieta en varios países, y la televisión comenzó a competir con el cómic. La historieta franco-belga aportó series como Blake y Mortimer, Lucky Luke y Los pitufos. La revista Pilote (1959) se lanzó como una publicación de vanguardia. El Manga Shonen (1947) fue la primera revista infantil dedicada exclusivamente al manga, con Osamu Tezuka imponiendo su estilo.
En Estados Unidos, resurgió el interés por los comic-books de superhéroes con La Liga de la Justicia y Los Cuatro Fantásticos. A partir de 1962, se afianzó una nueva conciencia del medio, con estudios dedicados a su análisis. El relanzamiento del terror en EE.UU. y el "gekiga" japonés exploraron nuevos temas. Autores italianos cultivaron el cómic erótico, y se experimentó con la composición de la página.
Surgió un importante movimiento contracultural, dando lugar a autores como Robert Crumb. Se crearon series clásicas como Modesty Blaise y Corto Maltés. En mayo de 1968, la revista Pilote se revolucionó, y en 1974 se lanzó Métal Hurlant, inspirando otras revistas europeas y estadounidenses.
La revista británica "2000 AD" (1977) impulsó a nuevos autores británicos que revitalizaron el cómic de superhéroes estadounidense. Se produjo un boom del cómic adulto en España, estructurado por revistas como Cairo, El Víbora y Madriz. Autores de diversas nacionalidades buscaron un lector más adulto, dando lugar a la historieta de autor.
En Estados Unidos, nacieron editoriales independientes, y Will Eisner popularizó el concepto de novela gráfica. Surgieron autores alternativos como Dave Sim y los hermanos Hernández. Aunque la historieta se desarrolla en otros ámbitos, como el mundo árabe, y se producen obras muy populares, la evolución del medio continúa.
La línea cronológica general, que combina cómics de distintas procedencias (estadounidense, franco-belga, manga japonés, tebeo español, webcómic y cómic digital), muestra cómo los mercados, inicialmente cerrados, evolucionaron hacia un cómic global. La posibilidad de que autores de diferentes países colaboren en editoriales extranjeras marca el presente y futuro del medio.
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