El término "novela gráfica" ha sido objeto de debate y controversia, ya que puede referirse tanto a un formato de publicación como a un tipo moderno de historieta dirigida a un público adulto. Como formato de publicación, muchos lo consideran equiparable al llamado "Álbum en cómic", un libro de un solo autor con una historia extensa, escrita con recursos literarios y mostrada en viñetas.
Este formato ha sido empleado en diversas obras de cómic estadounidense (Charles Burns, Daniel Clowes, Gary Panter, Joe Sacco, Seth), francófono (Guy Delisle, Marjane Satrapi), español (Paco Roca, Luis Durán...), israelí (Rutu Modan) o japonés (Jiro Taniguchi), entre otros.
Si bien el término se ha utilizado en diferentes formatos desde principios del siglo XX, su acepción más común y actual comenzó a aplicarse a finales de los años 70. Históricamente, el cómic estuvo asociado principalmente con obras infantiles y juveniles. En esa época, el término "novela gráfica" se empleó para conferir mayor prestigio a formatos distintos, como El contrato con Dios de Will Eisner, quien acuñó el término. El objetivo era editar cómics que se encontraran en las estanterías de las librerías junto a las novelas, y no en la sección infantil, atrayendo así a lectores literarios al mundo del cómic para adultos. Este enfoque tuvo éxito, ya que en los años noventa, Maus de Art Spiegelman se convirtió en el primer cómic en recibir el Premio Pulitzer.
En la novela gráfica, al igual que en la novela escrita, existe una amplia variedad de géneros.
La Tensión entre Cómic y Novela Gráfica
La diferencia entre un cómic y una novela gráfica es, en gran medida, semántica. Un cómic es un término más general que se utiliza para describir cualquier forma de historieta que une numerosas páginas. Podrían ser cuatro páginas o seiscientas.
La novela gráfica suele ser una publicación más extensa, a menudo superando las 80 páginas. Aunque frecuentemente se usa de manera más específica para cómics de formato largo con una trama general extensa, en lugar de ser episódicos o sin una secuencia clara, independientemente del número de páginas. Lo que una persona considera su propio cómic dependerá de lo que le resulte más cómodo. Personalmente, utilizo el término "cómic" de forma sencilla cuando me refiero a mi propio trabajo o a los cómics que leo.
El concepto de novela gráfica es objeto de debate, ya que la diferenciación entre cómic y novela gráfica no se ajusta a conceptos objetivos y, en ocasiones, parece una simple argucia semántica para dignificar el concepto de cómic. No obstante, algunas personas consideran ciertos cómics como elementos de mayor valor artístico, incluso literario, que merecen una consideración aparte. En cualquier caso, la distinción entre ambos términos es un tema muy controvertido.
El término "novela gráfica" surgió durante los años 70 con el objetivo de delimitar determinadas obras dentro del terreno artístico y, de este modo, diferenciarlas de lo que hasta entonces era un medio de entretenimiento popular ligero. Se buscó que la novela gráfica fuera una obra de calidad literaria adaptada para ser plasmada en forma de cómic.
Una de sus características, fruto de la época en que se forjó el término, es que el cómic estaba diseñado para ser editado en entregas como resultado de una publicación periódica. Sin embargo, la novela gráfica abarca una historia completa y, en caso de haber una continuación, igualmente será una historia independiente y autoconclusiva. Hoy en día, esta diferenciación no resulta tan eficaz, pero hay quienes aún la consideran así.
En todo caso, este formato otorga libertad a los autores para contar su historia sin modificaciones por necesidades editoriales que puedan alterar el curso de la narración por cuestiones relacionadas con su potencial serialización. Obviamente, al tratarse de una historia concebida de manera mucho más exhaustiva que un formato de cómic popular, el formato de edición no puede ser el mismo.
Partamos de la base de que la longitud de la novela gráfica tiende a ser superior a la de un cómic corriente. El formato de grapa americano suele tener unas 30 páginas, y el formato europeo oscila entre las 42 y las 50. Es decir, son formatos que permiten que la historia pueda leerse en un tiempo relativamente corto, que no suele ser superior a media hora, ideales para ser disfrutados en cortos periodos de tiempo libre. Sin embargo, en lo que se considera novela gráfica, no hay un límite en la longitud de la obra, y suelen ser obras que superan ampliamente las 50 páginas, por lo que el formato de edición debe ser diferente para asegurar su correcta lectura y durabilidad.
Muchos de ellos no permiten su lectura de una sentada, aunque son los menos habituales. En cualquier caso, requieren otro ritmo de lectura y más tiempo para su correcto disfrute. Suelen venir en formato cartoné encolado y cosido, exactamente igual que muchos libros considerados formales. La novela gráfica suele ser considerada como obra para el público adulto e iniciado en el mundillo.
Los orígenes de este término aún resultan misteriosos debido a lo difuso de su definición. Los más puristas tienden a situarlo a mediados del siglo pasado, en 1957, con la aparición de la obra "El Eternauta" de Héctor Germán Oesterheld. Otros, normalmente los defensores del llamado cómic americano, lo sitúan con la edición de "Bloodstar" de Richard Corben (1976). Sin embargo, el origen más popular y ampliamente aceptado de este nuevo género se considera con la aparición de "El contrato con Dios" de Will Eisner (1978), que supuso el bautismo de esta nueva corriente narrativa.
Todo surgió en un momento en el que el autor se veía fuertemente atormentado por la muerte de su hija Alice a causa de una leucemia 8 años antes de la publicación del cómic. A sus 61 años, era un hecho que no terminaba de asumir y usó la expresión artística a través de lo que mejor sabía hacer para poder hacer un ejercicio de catarsis. Este cómic puede ser considerado como el arquetipo de la novela gráfica: las 3 historietas que la componen buscan mostrarnos un lado amargo, lleno de frustración y violencia, enmarcado en la diversidad étnica del Bronx. Todo transcurre en un ambiente recargado, lleno de sombras, sucio… y desesperado.
El especialista Santiago García, autor del ensayo "La novela gráfica", señala que "Durante los 25 últimos años se ha producido un fenómeno que podríamos considerar de toma de conciencia del cómic como forma artística adulta."
"Atajos": Una Mirada a la Oscuridad Humana
Atajos, publicado por Ediciones La Cúpula, S.L. (ISBN: 9788415724148), es una obra de novela gráfica europea que se adentra en los recovecos más oscuros de la conducta humana. Con 112 páginas, tapa dura y una fecha de lanzamiento del 23 de marzo de 2013, este libro nos presenta una antología de relatos breves donde los atajos hacia el crimen, el pecado y la pasión esconden giros que pueden abocarnos a los callejones sin salida de la ley, la obsesión y la paranoia.
Martí, el autor, se presenta como un observador detenido de la conducta humana en sus aspectos más escabrosos. Ha retratado las tinieblas contemporáneas con una claridad hipnótica y escalofriante. En esta obra, se alternan la sospecha de la fe y la realidad de la carne, la sordidez de la urbe y los misterios del extrarradio. Los personajes que habitan estas atmosféricas páginas sufren y desean con una intensidad cegadora y definitiva, que va mucho más allá del realismo sucio.
Creando tu Propia Novela Gráfica: Consejos y Consideraciones
Para quienes deseen iniciarse en la creación de novelas gráficas, existen varios aspectos técnicos y creativos a considerar. En primer lugar, es fundamental entender los términos relacionados con el diseño de páginas: el sangrado completo, el área segura y la línea de corte. La línea de corte es el borde donde se cortarán las páginas al imprimirse y encuadernarse. Todo lo que esté fuera de esa línea se eliminará, por lo que es crucial no colocar elementos importantes, como globos de texto o detalles de dibujo, en esa zona.
El sangrado completo, o simplemente sangrado, es la línea justo fuera de la línea de corte que actúa como una protección adicional al cortar las páginas. El área segura es, literalmente, el área donde es seguro trabajar. Todo el contenido dentro de esta área debe estar a salvo de errores de corte, por lo que es importante asegurarse de que todos los elementos cruciales se encuentren dentro de ella y no se extiendan fuera.
El tamaño de página es una cuestión compleja. Si trabajas con un editor, como las grandes editoriales de cómics estadounidenses, te indicarán exactamente el tamaño en el que debes trabajar, que podría ser un lienzo de 11x17 pulgadas, que luego se reduce para la impresión. Sin embargo, si autopublicas, puedes usar el tamaño que desees, siempre y cuando mantengas la coherencia. Comenzar un cómic en un formato cuadrado y luego cambiar a uno rectangular requerirá un trabajo adicional de edición para evitar grandes espacios vacíos o distorsiones, lo que puede costar tiempo y dinero, y dar una apariencia menos profesional.
Al publicar por tu cuenta, las imprentas pueden cortar la página al tamaño que desees, siempre y cuando pagues por ello.
Se recomienda empezar con proyectos pequeños. Aunque es natural querer abordar una gran historia desde el principio, es mejor trabajar en algo más pequeño para aprender. Piensa en ello como un maratón: debes empezar a hacer ejercicio mucho antes de la carrera, no directamente desde el sofá. Además, tu gran historia puede tardar años, si no décadas, en completarse. Sin embargo, esto no significa renunciar a ella; siempre puedes crear historias cortas dentro del mismo universo o con los mismos personajes.
Escribe y dibuja para ti mismo. Disfrutarás más de tu trabajo y encontrarás una mejor audiencia si trabajas en algo que te haga feliz. Sin embargo, que te guste algo no garantiza que tendrás una audiencia asegurada.
No dudes en pedir ayuda. Existen muchos grupos y personas dispuestas a leer tu cómic y ofrecerte consejos. La clave es pedirlo primero. Busca foros, subreddits, grupos de Discord, etc.
Los atajos son útiles. El lector promedio dedica menos de dos segundos por panel en cada página, independientemente de los detalles. Utiliza modelos 3D, pinceles de sellos, cualquier cosa que facilite tu trabajo. Tu historia será tan detallada como tu guion.
El cómic Secretos de la narrativa gráfica aplicados al cómic es una guía técnica que presenta las técnicas de algunos de los mejores dibujantes de novela gráfica españoles. El manual consta de 16 técnicas ilustradas y explicadas por 16 autores de reconocido prestigio. La idea es que los profesionales del medio desarrollen estos recursos formativos específicos de manera amena y gráfica, huyendo de manuales teóricos y preguntando directamente a los dibujantes cuáles son las herramientas que utilizan para contar buenas historias.
La lectura no debería ser una obligación ni un esfuerzo agotador, y existen fases en las que debemos ser más amables con nosotras mismas. Algunas novelas gráficas pueden ser la clave para que la lectura siga siendo un placer.
Hace tiempo que las novelas gráficas y los libros ilustrados se situaron entre las lecturas del público adulto. Desde entonces, las temáticas no han dejado de crecer y diversificarse, así como el abordaje estético desde el que los autores las miran. No hay nada que envidiar en las líneas trazadas por los dibujantes al venerado género de la novela; sencillamente, resultan formatos diferentes de narrar y conmover a un lector. Además, el amable formato del cómic puede ser una solución a la frustración que produce no ser capaz de terminar las lecturas que te has propuesto, o no llevarlas al ritmo que te gustaría.
Para la pila de libros de la mesilla de noche que no deja de crecer en vertical, los japoneses tienen incluso una palabra: Tsundoku. Ver los libros acumularse genera estrés, porque de alguna manera es una imagen que nos devuelve la certeza de que el ritmo de trabajo y otras obligaciones en nuestra vida no nos permiten disponer del tiempo que requerimos para mirar hacia dentro, estar a solas con nosotras mismas y cultivarnos en la intimidad de nuestro propio universo empapándonos de otras lecturas y referencias.
Y aunque hay unos cuantos trucos para aprovechar al máximo e intentar rentabilizar los ratos de lectura, si te encuentras en un momento en el que las circunstancias de tu vida solo te permiten leer diez o quince minutos en la cama antes de caer rendida, puede que la novela gráfica tenga la solución para hacer que este pequeño rato sea verdaderamente una experiencia placentera, y no vivirla como una especie de obligación o el último esfuerzo del día. Una receta sencilla para que un mismo libro no se quede tres meses en la pila de la mesilla y las ideas y las historias sigan viniendo hasta a ti y enriqueciendo tu mundo. Que es, al fin y al cabo, la razón por la que leemos.
Ejemplos de Novelas Gráficas Destacadas
- Salvo imprevistos, de Lorena Canottiere (Liana Editorial): Las experiencias de soledad de cuatro personajes se entrelazan en una sola narración con ilustraciones que son casi instantáneas térmicas, tomadas en tonos fríos y cálidos.
- Anaïs Nin en un mar de mentiras, de Léonie Bischoff (Garbuix Books): Los famosos diarios de la icónica escritora se convierten a la ilustración en esta novela gráfica para contarnos la vida de Anaïs Nin en 1930.
- Lee Miller: Cinco retratos, de Eleonora Antonioni (Liana Editorial): Acompañamos desde su infancia a Lee Miller en cinco de los capítulos clave para comprender su polifacética vida.
- No siento nada, de Liv Strömquist (Reservoir Books): Historias de amor desde varias miradas, con una considerable carga de humor para afrontar cuestiones serias relativas al eros.
- Voces que Cuentan, VV.AA. (Planeta Cómic): Una antología de relatos plasmados en las líneas de grandes ilustradoras.
- Madonna: Una biografía, de Los Prieto Flores e Isa Muguruza (Plan B): Un increíble fanzine de tapa dura plagado de datos y anécdotas de la vida de Madonna.
- Bordados, de Marjane Satrapi (Reservoir Books): La autora de Persépolis presenta una novela que disfrutó creando.
Aprende Diseño de Personajes
Logicómix es una novela gráfica creada por un grupo multidisciplinar (griego) que trata sobre cómo un grupo multidisciplinar intenta crear una novela gráfica sobre la "búsqueda fundacional" acontecida en la Lógica a partir de 1875. La obra habla de las vidas e ideas de un conjunto de pensadores que intentaron establecer "qué es la certidumbre y de qué podemos estar seguros". El volumen se narra, fundamentalmente, desde una conferencia de Russell a principios de la Segunda Guerra Mundial. Durante la conferencia, presenciamos la compleja infancia de Russell y su aún más compleja madurez en forma de flashbacks. El relato no es amable: los tiempos que narra son convulsos y no se ocultan las muy humanas debilidades del protagonista. Pero el indiscutible corazón de la historia es "la Búsqueda" y sus protagonistas.
Resultan especialmente interesantes las irrupciones de sus guionistas y sus ilustradores en las viñetas de Logicómix: Apostolos y Christos discuten en varias ocasiones la mejor manera de plasmar la Búsqueda en la obra, en medio de sorprendentes vistas de una moderna Atenas. Pese a la aparente complejidad, la novela es muy sencilla de leer, es fluida y te atrapa desde el principio hasta el final.
Aprende Diseño de Personajes
