El cómic es un formato visual que emplea vistosas ilustraciones y a menudo texto escrito para narrar historias. Hace ya tiempo que el cómic dejó de ser cosa de niños. El auge de las películas de superhéroes en la última década, junto al éxito en occidente de cómics orientales (mangas, manhuas y manhwas) ha revivido más aún el fervor por este formato. Para ilustradores y adeptos del mundillo, no hay nada igual que las historietas ilustradas. El dinamismo del género ha derivado en tantos subgéneros como podamos imaginar. Por último, no debemos perder de vista que, ante todo, el cómic busca contar una historia.
Claves para crear un buen cómic
Elige un gran tema para un gran guion
Si tu intención es crear una gran historia y todavía no tienes ideas, lo primero que debes hacer es buscar un argumento. Existen argumentos universales de los que puedes echar mano. Esto es, tramas y estructuras que se repiten en diferentes épocas, formatos narrativos y culturas. Prácticamente todas las grandes historias se enmarcan en estos argumentos universales. Algunos ejemplos son el regreso al hogar, el amor prohibido, la búsqueda del tesoro, el ansia de poder, alguien fuera de su hábitat natural y hasta un mundo postapocalíptico.
Crea un personaje inolvidable
Una parte fundamental de las historietas son los personajes. Asegúrate de que los personajes de tu cómic tengan sueños y esperanzas. Pueden tener una virtud excepcional, estar obsesionados con alguna cosa, estar preocupados por alguien o proteger más a alguien que a ellos mismos. También es importante que cada personaje se exprese de manera diferente según su carácter.
Si hay algo que aburre de inmediato es la manera en cómo algunos creadores nos presentan a sus personajes. Comienzan “subiendo el volumen” pensando que eso llamará la atención de los posibles lectores: Toda la galaxia depende de él, El destino del espacio tiempo está en sus manos!!!! (así, con muchos signos de admiración “!!!!”). ¡Aburridoooo! Sin una conexión entre el lector y la historia, no hay manera de que al lector le importe lo que sucede en nuestro cómic aunque las amenazas sean impresionantes. Los peores son aquellos que copian -y aumentan- las características de personajes ya famosos, pensando que son los poderes o habilidades los que hacen interesante a un personaje. “¡Es enemigo del crimen… pero más extremo!” “En un mundo… donde los zombies no solamente son inmortales… ¡estos usan gorra!” Nosotros tenemos que saber precisamente cómo presentar a nuestros personajes de una manera que al lector LE IMPORTE. Esto en ningún momento es una tarea fácil, ya que las opciones de entretenimiento con las que contamos hoy en día hacen de esto una competencia entre la nueva serie de novedad en Netflix, el siguiente nuevo videojuego de la saga preferida o un nuevo cómic de los personajes conocidos a nivel mundial. Tenemos que saber introducir a nuestros personajes por dos motivos: Para que el lector le interese el desarrollo -y por ende, la historia- de este personaje lo SUFICIENTE como para que siga leyendo la historia y… Además, se vuelva un fan de nuestra historia.
Se dice que las primeras impresiones son las más importantes, y en el mundo de los cómics esto se vuelve doblemente cierto. Solamente tenemos una oportunidad de presentar a nuestros lectores a nuestro personaje principal, el cual le tiene que ser lo suficientemente interesante para que el lector termine de leer nuestra historia. Es por eso que te presentamos los cinco consejos a seguir para introducir de manera INCREÍBLE a tus personajes en formato de cómic. La información debe de ser visual. El cómic, al igual que el cine, es un medio que es principalmente visual. Aunque la unión de la imagen con las palabras permite comunicar más que cada elemento por separado, siempre recomiendo usar una de las reglas de oro del cine: ¡Muéstralo!, NO LO CUENTES. Siempre que tengas oportunidad, piensa el cómic en aspectos visuales, cómo presentar la información que deseas en imágenes.
Una Acción = una característica. Por el punto anterior, una de las mejores formas de introducir a nuestros personajes es a través de las acciones que realiza en la historia. Lo ideal es una acción que muestre un aspecto de su personalidad o una característica. También estos aspectos irlos mostrando poco a poco. Mostrar solamente partes del personaje puede ayudar a crear misterio y expectativa. Para mostrar que nuestro personaje asusta, que está enojado, que vuela, que es más inteligente, etc., tienes que mostrarlo más que describirlo. NO LO CUENTES.
Tiene que ser creíble. Recuerda, aunque el mundo que presentemos en nuestro cómic sea fantástico, buscamos hacer una historia CREÍBLE. La gente NORMALMENTE no habla diciendo “soy muy inteligente”, “soy muy malo”… lo importante son las acciones que nuestro personaje realiza y las reacciones que tienen en los demás personajes a estas acciones. Recuerda, tienes que mostrarlo.
Comunica la información NECESARIA. La mejor manera es que a nuestros lectores les quede claro: La motivación de nuestro(s) personaje(s), La emoción que vive este personaje. Los elementos del cómic como el cuadro de narración o los “pensamientos” de los personajes nos ayudan a explicar de manera clara su desenvolvimiento.
Usar la yuxtaposición de manera efectiva. La yuxtaposición es el efecto que obtenemos al usar el texto y la imagen del cómic juntos. Es decir, podemos decir MÁS al combinar el texto con la imagen. El resultado es mayor que las palabras y el dibujo por separado. El ejemplo clásico es lo que realizo Will Eisner con este cuadro.
La suma de los elementos nos da mayores opciones para poder narrar diferentes historias. Y para mostrar un ejemplo, te presento cómo fui presentando a mi personaje Papá Supervillano. En la historia de Papá Supervillano, narro todos los problemas y complicaciones que puede tener un padre soltero, quien tiene como trabajo ser un supervillano. Uso todos los elementos y clichés de los superhéroes en la historia de un padre soltero con un hijo adolescente, quien poco a poco va creciendo y se va alejando de su papá. Yo escribí el guion y el arte está a cargo del genial artista Dhana, quien le dio ese estilo entre manga y cómic americano. Buscábamos un equilibrio en el estilo de historias tradicionalmente de superhéroes, con espacio para un poco de comedia. Al final te presento la página completa, pero la iré seccionando parte por parte.
Primer Viñeta: Papá Supervillano, El Comicólogo. Lo primero que vemos son los zapatos de Papá Supervillano, su nombre es Alastor, “Al” para los amigos (que no tiene). Todos los demás personajes se encuentran caminando en dirección opuesta a Al, en el guion original, yo había descrito que todos los personajes caminaran hacia el lector y mostrar la diferencia con Al usando solamente los diferentes tipos de zapatos. Al se iba a diferenciar solamente por ser el único en usar botas con picos. Gracias a la colaboración que dan los cómics, logramos una viñeta que visualmente nos da más información y es mejor. Todas las personas de esta viñeta se están alejando, vemos al personaje principal al centro de la viñeta. Solamente vemos una parte de él, no lo vemos completo. Si no fuese suficiente, el pequeño niño de la izquierda nos dirige la mirada hacia el centro. Me encanta que el diálogo salga literalmente de la viñeta. Esto fue un error pues Dhana al principio no dejaba espacio para los diálogos. Todos los personajes se alejan, y nuestro personaje se acerca a nosotros.
Segunda Viñeta: Papá Supervillano, El Comicólogo. En esta escena vemos solamente un poco del personaje “Al”. En esta viñeta tenemos dos reacciones totalmente opuestas. Por un lado el niño RECONOCE a Al, y por su cara tiene una reacción de felicidad tal, que lo quiere tocar. Su mamá tiene una reacción contraria, casi de disgusto y enojo. No solamente detiene a su hijo de tocar a Al, también le prohíbe que diga su nombre. A esto me refiero con las reacciones que tienen las personas con respecto a nuestro(s) personaje(s). Además le damos más realismo al agregarle lo que yo llamo “falso pasado”, construimos eventos en un “pasado” del personaje que no ha existido.
Tercera Viñeta: Papá Supervillano, El Comicólogo. En esta viñeta vemos a Al desde atrás, aún no lo hemos visto completo y ya tenemos diferentes reacciones de personas con respecto a él. En esta viñeta reafirmo lo que he hecho en la anterior, la cuestión de que la gente ha tenido interacción con él y saben cómo es. De esta viñeta, podemos ver que: Alastor come bastante picante y Tiene un carácter fuerte ya que “antes” ha tenido un problema con la persona que vende hotdogs.
Cuarta Viñeta: Papá Supervillano, El Comicólogo. Esta viñeta resalta lo que hemos mencionado. Aquí debería de notarse más que Al usa un bastón, pero la mala posición que hice del diálogo hace que se pierda un mucho.
Quinta viñeta: Papá Supervillano, El Comicólogo. En esta viñeta, lo que busqué era solamente ver la silueta del personaje. Quise que esta viñeta NO tuviera marco y que diera la sensación de que era un dibujo más grande de la página. Lo único que buscaba resaltar eran los “goggles” de color rojo y su mohawk, el cual es una característica visual de su cabello.
Dibuja tus personajes sacando el máximo partido
Puede que ya tengas una técnica de ilustración muy depurada y puedas solventar con éxito todo tipo de personajes y viñetas pero, si no es así, no te preocupes, tomando buenas decisiones puedes conseguir un resultado excelente.
Enfócate en tus puntos fuertes. Si hay algún aspecto o elemento de ilustración que se te dé bien, aprovéchalo. Por ejemplo, si se te da especialmente bien dibujar espadas, puedes hacer que todos los personajes tengan una y sean importantes en tu cómic.
Busca soluciones efectivas para tus puntos débiles. Si al contrario, hay algún aspecto que se te dé mal, puedes tratar de enmascararlo. Si, por ejemplo, se te da mal dibujar pelos, todos tus personajes pueden llevar algo en la cabeza. Otro clásico que se suele atragantar son las manos. Si a ti también te pasa, no te compliques. Piensa en “Mafalda”, en algunas viñetas lleva la manga tan larga que solo asoman 3 semicírculos a modo de dedos. O en el videojuego “Among Us”. ¿Recuerdas los personajes? Prácticamente no tienen extremidades.
Atrévete a experimentar y encontrarás tu estilo.
Haz que tengan ganas de leer a primera vista
Lo primero que debes hacer es definir las dimensiones para la portada de tu historieta. Asegúrate de que el diseño del título combine con el estilo, la imagen y el tono de la portada y juega con el contraste para resaltar el contenido más importante. Escoge el tipo de papel y acabado que más te gusten.
El proceso de creación de un cómic
- Hay que tener muy clara la idea central de la historia de principio a fin, pero especialmente el desenlace. La realización de un cómic es una ardua tarea que llevará muchas horas, por lo que hay que creer y querer a la idea que se vaya a desarrollar.
- El cómic americano o el europeo, el manga o una tira cómica tienen estructuras y longitudes muy distintas y conviene tener una referencia a la que acercarse.
- En mundos de fantasía, crean un mapa de la geografía del lugar, nombran sus regiones y trazan en él el viaje de los protagonistas. En cuanto a los personajes, es buena idea crear fichas individuales para cada uno donde se revelen sus características físicas y de personalidad, se dibujen varias vistas y se ahonde en su pasado.
- Es hora de poner por escrito toda la historia. Una buena práctica es hacerse un esquema del hilo principal y los hitos intermedios de la trama, colocándolos cronológicamente.
- El storyboard es la historia completa, ya dispuesta en viñetas hechas con bocetos provisionales que servirán de guía visual. De lo que se trata es de hacer el blocking de cada escena, sin necesidad de rematar los detalles y acabados. En la disposición de los elementos en la viñeta es importantísimo adelantarse a la posición de los bocadillos de diálogo.
- Una vez todas las viñetas estén bocetadas, se pasa a realizar la versión definitiva del storyboard a lápiz, refinando los trazos, cuidando los acabados y rematando las estructuras.
- Si se ha optado por el papel como soporte, para la versión definitiva de los dibujos se repasan las líneas con tinta.
- Este paso es opcional, dado que no todos los cómics son a todo color, especialmente los impresos. La elección de la paleta de colores, cuya importancia ya tratamos en este artículo, es determinante para la definición del estilo visual del cómic y debe hacerse en consonancia con lo que se quiera transmitir.
- Si se cuenta con una letra atractiva y perfectamente legible, es posible escribir los bocadillos a mano, pero en general es más práctico escanear todo el cómic y añadirlos digitalmente.
¿Por qué crear un cómic online con Canva?
Por su facilidad
Aunque crear un cómic suene complicado, no tiene por qué serlo. Las herramientas de Canva son tan fáciles de utilizar que no necesitas tener experiencia en diseño ni en dibujos para crear una historia inolvidable. En Canva, puedes crear un cómic para lo que tú quieras: hacer un regalo muy especial para algún familiar o enviar tu idea a una editorial y convertirte en el próximo héroe o heroína del mundo de los cómics.
Porque puedes subir tus propios dibujos
Si vas a diseñar una historieta con tu propia historia, lo más probable es que ya te hayas imaginado a uno o dos personajes. ¿Te parece más fácil dibujarlos a mano? ¡Genial! Puedes hacer un boceto o el diseño final de tus personajes, el escenario y todos los elementos de tu historia. Luego, los puedes subir como imágenes y utilizar en tus historietas.
Con las herramientas y los elementos de diseño de Canva, puedes diseñar a tus personajes como tú quieras: celebra su última victoria o incluye alguna vuelta interesante para sacarlos de apuros. Recuerda que es tu historia y, con Canva, ¡no hay límites para tu imaginación! Utiliza el diseñador de cómics de Canva para liberar todo tu potencial creativo y plasmarlo en tu diseño.
Por las herramientas para las viñetas de cómic
Cuando se trata de crear viñetas de cómic, la herramienta de cuadrículas de Canva es muy útil. También puedes aprovechar las plantillas de cómic de Canva, que ya incluyen cuadrículas y que puedes personalizar con tus propias imágenes. Si diseñas con cuadrículas, podrás organizar tu cómic como quieras para generar diferentes efectos dramáticos.
Escoge entre los diferentes tamaños de cuadrículas. Para redimensionarlas, solo tienes que hacer clic en una de las esquinas y arrastrar el cursor (puedes mantener presionada la tecla de las mayúsculas para que la cuadrícula conserve la misma relación). A continuación, solo tienes que arrastrar y soltar las imágenes dentro de la cuadrícula. Si quieres, puedes llenar una cuadrícula con un color sólido para complementar las otras viñetas de tu tira cómica.
Por las paletas de color
En los cómics, menos es más en cuestión de colores. Si quieres conseguir un aspecto muy identificable y original, conviene no abusar de muchísimos colores diferentes. Si escoges bien, puedes colorearla con apenas 4 tonos y que quede perfecto. Para eso, las paletas de color de Canva son la herramienta perfecta. Además, no es algo que tengas que decidir en el primer momento, puedes tener el cómic totalmente acabado y probar automáticamente la que mejor quede al final del proceso.
Elementos clave de un cómic
Los bocadillos
Un bocadillo de cómic tiene 2 partes: el globo y el vértice. El globo es donde va el texto y el vértice es la flecha que señala de qué personaje proviene.
Los bocadillos son una forma creativa de darle el tono adecuado al diálogo. El bocadillo de conversación es el clásico que todos conocemos, redondeado y con el vértice hacia el personaje que habla. Si queremos transmitir que hay varios personajes diciéndo lo mismo a la vez, podemos sacar varios vértices del mismo bocadillo. El segundo más famoso es el de pensamiento. Este se asemeja a la forma de una nube y en lugar de de un vértice estirado, usa círculos cada vez más grandes que salen de la cabeza del personaje que está pensando. Para remarcar que el personaje está gritando, en lugar de un bocadillo redondeado, se puede utilizar uno en forma de estrella de muchas puntas. Si queremos transmitir que la persona que habla está llorando, podemos darle al bocadillo una forma más de charco y ponerle gotitas alrededor. Por último, para sugerir que el personaje está susurrando, podemos hacer el bocadillo con líneas discontinuas, e incluso quitarle opacidad con las herramientas de Canva.
Color vs. Blanco y Negro
No hay una respuesta única para eso. Según lo que quieras transmitir, puede quedar mejor hacerlo en color o en blanco y negro. Si, por ejemplo, quieres darle a tu historieta un aspecto más vintage o más desenfadado (como si fuera una extensión de los pensamientos de tu vida cotidiana) el blanco y negro es perfecto. Si buscas algo más evocador o fantástico o, simplemente, crees que va a ser más atractivo a tope de color, coloréalo sin miedo.
Composición y ritmo de las viñetas
No tiene por qué. Por ejemplo, un recurso muy utilizado en las tiras cómicas es el de la repetición y la disrupción. Hay muchos factores, por pequeños que sean, que pueden contribuir a que tu cómic, manga o webtoon resulte más atractivo y agradable de leer. Este artículo incluye consejos profesionales para que evites los errores más habituales entre los principiantes y así puedas comenzar tu proyecto con confianza y expresando tu historia con claridad.
Para contar tu historia, debes tener en cuenta la composición y el ritmo de las viñetas. Ya estés creando un cómic tradicional o un webtoon vertical, tus viñetas deben fluir bien y cada página o escena debe incitar a los lectores a continuar con la siguiente parte. Para ayudar a los lectores a entender el flujo de la narrativa, no te limites a dibujar los personajes. Asegúrate de que las viñetas conduzcan al lector de izquierda a derecha (o de derecha a izquierda en el caso del manga) y hacia abajo de manera natural. En este ejemplo, fíjate en cómo la dirección del personaje en la viñeta final de la página izquierda lleva naturalmente al lector a la siguiente página.
Hay distintos tipos de viñetas que pueden contribuir a la narrativa. Si bien parece un elemento básico, las viñetas se pueden usar en diferentes formas y combinaciones para darle dramatismo a tu historia. Si añades varias viñetas a una misma acción, puedes dilatar el tiempo, mostrar más detalles o evidenciar cada movimiento de la acción, algo que de otro modo pasaría desapercibido. Puedes usar viñetas superpuestas o elementos que sobresalgan de su marco para crear transiciones interesantes.
Los cómics, mangas y webtoons son imágenes estáticas, pero se pueden usar para expresar acciones dinámicas a través de la relación de causa y efecto. Esto muestra las posiciones de las dos personas, pero un solo dibujo no es suficiente para transmitir la progresión del movimiento de una acción. Para transmitir la acción de manera efectiva, necesitas tres elementos: anticipación, acción y reacción. Esta técnica de "anticipación, acción y reacción" también se puede aplicar a todo tipo de escenas, no solo a las de acción.
Fondos y escenarios
Los fondos son un elemento esencial de los cómics, mangas y webtoons. Si son lugares que van a aparecer con frecuencia, como la casa de un personaje principal, es hasta recomendable crear un plano de las habitaciones como referencia. Al pensar los detalles del escenario, considera cómo puede proporcionar más información sobre la historia y los personajes. Por ejemplo, ¿tu personaje es ordenado o desordenado? ¿Qué decoraciones tiene? Si estás diseñando un entorno urbano, ¿cómo de futurista o tradicional es? ¿Es espacioso o se siente lleno de gente?
En Clip Studio Paint, puedes importar modelos 3D para escenarios como habitaciones, calles y estaciones de tren, además de cambiar el ángulo y el zoom a tu gusto. Aplicar perspectivas en los fondos puede dotarlos de una mayor tridimensionalidad. En la siguiente imagen se puede apreciar un ejemplo de composición dinámica con perspectiva. La posición del tren y los edificios se representa a través de la perspectiva.
Si bien conviene dibujar fondos detallados en viñetas amplias donde el escenario gane protagonismo, no es necesario dibujar todos los detalles en cada viñeta. Puedes, por ejemplo, dibujar las líneas del fondo más finas que las de los personajes y bocadillos o atenuar las líneas del fondo. En la siguiente imagen, se ha importado un material de fondo 3D a Clip Studio Paint, pero los colores son demasiado llamativos.
Tipografía y onomatopeyas
Aunque a menudo se pasa por alto, la tipografía es importante para transmitir con fluidez tu historia en cómics, dibujos animados y webtoons. En los cómics de estilo occidental, se prefieren las fuentes de letras mayúsculas dibujadas a mano. Se utilizan una amplia variedad de fuentes de texto para las onomatopeyas, mientras que se prefieren fuentes convencionales y fáciles de leer para los diálogos. La popularidad de las fuentes varía de un país a otro.
Ten en cuenta el equilibrio entre el texto de los diálogos y el tamaño de los bocadillos. Si bien es importante hacer el texto grande, también es esencial mantener cierto margen en los bocadillos. Si bien no existen reglas sobre la cantidad de diálogo que puedes incluir, un máximo de 35 palabras por bocadillo es un buen límite.
Las onomatopeyas agregan profundidad, impacto e inmersión a los cómics. Pueden dibujarse a mano o escribirse usando distintas fuentes. En el siguiente ejemplo, las onomatopeyas están colocadas de forma dispersa para que coincidan con la posición de las hamburguesas. A menudo, las onomatopeyas sobresalen significativamente de la viñeta para generar más impacto, casi como si el sonido surgiera de la propia página.
