Diseño de Personajes de Combate para Cómics: Creación y Animación

¡Qué pasa, gente! ¡Soy LazyStudio y haré un tutorial sobre cómo construir un personaje de combate! Esto cubrirá el proceso de diseño, así como otros detalles durante ese proceso para ayudarte a vender tus diseños. El combate es una parte muy prominente de mi cómic y algo en lo que pienso profundamente cuando se trata de crear personajes. Este tutorial puede ser un poco diferente de lo que estás acostumbrado. Profundizo más en ideas y conceptos que en enseñarte los conceptos básicos del arte. Aprenderás cómo configurar y prepararte adecuadamente para el proceso de diseño. Profundizo en cómo pensar genuinamente en los personajes y cómo funcionarán en combate, así como cómo funcionarán en tu cómic o historia.

¡Cualquier día es bueno para crear un nuevo personaje! En este tutorial, aprenderemos algunos consejos para estudiar y diseñar personajes de combate. Si eres principiante, asegúrate de tomar algunas notas, amigo, esto te será de gran ayuda. La creación de personajes es muy fácil cuando te centras en los fundamentos. Al final de este tutorial, sabrás por dónde empezar. Para un buen diseño y concepto, recuerda: cada detalle importa. Un personaje de combate puede ser de cualquier clase o raza: esto depende de ti y/o del propósito de su creación (animación, cómic, videojuego, OC...). Con esto en mente, realiza la investigación necesaria.

Configuración del Mundo y la Historia

Aquí es donde todo comienza. Haré un poco de escritura o configuraré algunas referencias en una página de referencia para comenzar a generar ideas. Uso PureRef aquí en un segundo monitor y guardo todas mis referencias juntas para el proceso de diseño. A veces no necesitas una página completa, pero para este diseño construí una pequeña como ejemplo. Este programa es gratuito y muy útil, pero no es necesario para tu flujo de trabajo.

Esta es probablemente la parte más importante del diseño de un personaje. ¿De qué mundo forman parte? ¿Ninjas, piratas, futuro, pasado, alta fantasía, espacio? Estas son cosas que pueden cambiar drásticamente tus diseños. Para este ejemplo, usaremos el mundo de Kiwi Punch. Mi cómic tiene lugar en una ciudad plagada de crímenes y estos personajes forman parte de un equipo de deportes de combate. Criaturas antropomórficas reemplazan a los humanos en este mundo. Todo es algo similar a la sociedad normal aquí. Armas, espadas y súper fuerza también son comunes. Con estos rasgos del mundo en mente, realmente te encamina hacia un camino distinto con los personajes. Esta ciudad específicamente está predominantemente poblada por mamíferos, por lo que eso influirá en mi elección de animal para usar.

Luego tenemos la historia. Aquí es donde las cosas empiezan a construirse y obtenemos las ideas de cómo se desarrollarán estos personajes. El deporte que juega este equipo es básicamente capturar la bandera, pero mucho más violento. Se permiten armas contundentes y se dispersan aleatoriamente por la arena. Recibes puntos al capturar su bandera y devolverla a tu base. Solo se permiten cinco jugadores en el campo a la vez. Hay algunas reglas más, pero no entraremos en eso, ya que no se relaciona con estos diseños en este momento. Nuestros personajes principales terminan teniendo que competir en uno de estos partidos para ganar algo de dinero. Sin embargo, este equipo es en realidad uno de los equipos mejor clasificados en el circuito profesional y nuestros personajes principales se enfrentan a ellos con la esperanza de generar aún más dinero. Por lo tanto, construir estos personajes para darles un aspecto de atleta profesional es muy importante.

Desarrollo de la Personalidad y Características

Ya he guionizado sus interacciones con los personajes principales y tengo sus historias escritas, así que para mí, esto no será tan complicado. Sin embargo, cuando estás trabajando desde cero en un personaje, sin importar el mundo o la historia, necesitas tener una personalidad general establecida de antemano. Pueden tener peculiaridades o rasgos que puedes agregar a su diseño para ayudar a vender su personaje. Este tipo de cosas pueden variar desde discapacidades físicas, cicatrices, mutaciones de color, un hábito nervioso como masticar, o incluso características emocionales/mentales como un complejo de superioridad.

Construir la personalidad de un personaje de antemano realmente te ayudará a guiarte sobre lo que usarían, cómo se manejarían en combate y cómo manejarían dicho combate. Por ejemplo, la hiena que crearemos es trans de mujer a hombre. Esto significa que físicamente necesitamos mostrar algo de personalidad, como cómo es su complexión. Siguen siendo el vicecapitán del equipo y son extremadamente fuertes y peleadores, por lo que quiero que la complexión refleje tanto sus capacidades físicas como sus elecciones de vida. Características femeninas pero aún un poco entre lo masculino y lo femenino. Luego agregamos algunos rasgos de personalidad para darles profundidad. Competitivos, un poco duros, francos y quizás algunas frases ingeniosas que lanzarán a sus oponentes. Equilibrando eso con algunos rasgos más agradables a continuación. Tal vez hablan mucha basura, pero nunca realmente sobre la personalidad de alguien, solo sobre sus habilidades en el deporte.

Esto, aunque pequeño, puede afectar cómo se cambia el diseño de un personaje. ¿Quizás nunca usan un arma afilada? ¿Quizás son personajes defensivos porque son un poco más amables y no les gusta lastimar a los demás? ¿Así que quieres tener un personaje dominante y aterrador pero no quieres que tenga ese aspecto habitual de lobo feroz? Aquí es donde jugar con las formas puede ser útil.

La Importancia de la Silueta y la Forma

Para estos personajes, ya he decidido en cierta medida sus animales basándome en sus personalidades y su papel en la historia. Sin embargo, sus habilidades reales y su experiencia en combate también están influenciadas por esta elección. Esto es algo que tiene un gran impacto en el concepto de diseño. Si tienes un elfo de alta fantasía con una armadura enorme y voluminosa, la primera impresión que darás es que es un tanque, un "bruiser" o algo así. Esto, por supuesto, no siempre tiene que ser así, pero esta es la vibra original que transmitirás con ese personaje. Esa primera escena en la que aparecen debería mostrar mucho del personaje sin tener que explicar mucho. Esto es lo que puede hacer o deshacer un diseño.

Durante mi diseño, me verás usar este alce para jugar con la meta habitual que generalmente se sigue. Claro que será enorme y alto, pero lo que busco es una sensación más tranquila y robusta. Es el capitán, pero también el especialista defensivo que defiende la bandera. Queremos que su forma sea realmente grande, larga e intimidante para cualquiera que intente pasar a su lado. Sin embargo, su personalidad es bastante dócil y educada cuando no está en un partido. Así que pensar en las formas con anticipación puede realmente ayudar a tu flujo de trabajo aquí.

Al diseñar la pose intento exagerar esto para que se vea más dinámica. No sólo el gesto es importante, debemos centrarnos también en las siluetas. ¡Sí, las siluetas! Una silueta interesante enriquece mucho las poses y los personajes. Debemos estudiar cómo otros artistas construyen estas siluetas. Sólo observen, los personajes más icónicos del mundo visual son fácilmente reconocidos sólo por su silueta. Al observar la silueta debemos preguntarnos: ¿se reconoce mi personaje?

Funcionalidad y Diseño de Atuendos

La función es igualmente importante que estos otros conceptos. No siempre es necesaria, dependiendo de tu estilo, pero la funcionalidad puede ayudar a diseñar detalles y a elegir armas o el atuendo. ¿Cuál es la función del personaje? ¿Cuál es su propósito? ¿Son defensivos, ofensivos, etc.? Si empuñan un arma grande, ¿tienen espacio para blandirla? ¿Tienen alguna forma de sostenerla mientras descansan? ¿Sus cinturones tienen sentido y son funcionales para ese mago o personaje de apoyo? Cuando estoy creando un personaje desde cero, tener algunas de estas cosas en mente me lleva adonde quiero ir. Incluso conseguiré algunas referencias de atuendos, ropa o equipo para ayudar a influir en mi diseño. Para este, tenemos camisetas guardadas ya que es un equipo y necesitan tener atuendos funcionales pero cohesivos.

Para los personajes de combate, debemos elegir cuidadosamente el tipo de ropa. Debe coincidir con la personalidad y el estilo de lucha. En una pelea, las capas, los vestidos largos o las faldas pueden ser peligrosos y problemáticos al moverse. Mi parte favorita es buscar ropa real de la época en la que se desarrolla la historia, o que coincida con el estilo de ese universo. Para mi personaje, necesito que coincida con el concepto que describí al principio, luego que coincida con su trabajo y habilidades. Estas deben ser una extensión de la personalidad, el estilo y la historia de fondo del personaje, cuando sea aplicable.

Preguntas clave sobre la funcionalidad:

1. ¿Mi personaje lo necesita? ¿Por qué es importante?
2. ¿El diseño es funcional?
3. ¿Cómo se vería en la vida real? ¿Cómo funciona?

Proceso de Diseño y Bocetado

Una vez que hayas preparado tus conceptos básicos, es hora de comenzar tu proceso de diseño. El elemento clave en el que me concentro durante esta etapa es simplemente plasmar algo en papel. Lo que plasmes no siempre será tu diseño final. Empiezo con algunas bases que ya he preparado. Son simplemente algunas formas corporales generales con algunas poses de 3/4 que uso al hacer diseños rápidos. Recomiendo encarecidamente tenerlos configurados como materiales, ya que puede ahorrarte mucho tiempo y ayudarte a optimizar tu proceso. No deben usarse en exceso para clientes o situaciones similares, sin embargo, son increíbles para lo que estamos haciendo aquí, que es simplemente desarrollar algunos diseños.

Cuando creo mis diseños, usualmente los uso como fichas de personaje para mi cómic. Los lancho a mi página de referencia de personajes, ahorrando así mucho tiempo que usaría mirando otras imágenes para sus diseños o detalles. Esto también es genial tenerlo al lado de tu área de trabajo para que puedas consultarlo rápidamente al tonificar. Esa es la razón por la que dejo la mayoría de mis fichas de personaje sin color.

Pasando ahora a mi proceso de diseño real. Simplemente estoy desarrollando algunas formas básicas. Como ya he construido mi mundo para este cómic y los personajes están guionizados, tenemos una idea general de la personalidad de cada uno. También tenemos una idea de qué mamífero usaremos para estos personajes, sin embargo, eso a veces puede cambiar en medio de un diseño para mí. Aquí he decidido un alce para el capitán. El capitán es un personaje relajado que no es muy imponente con los demás. Tendrá una ligera joroba para ayudar a vender esa idea. Estas son pequeñas cosas que realmente pueden ayudar a tu diseño. Luego tenemos a la hiena. Esta es la vicecapitana del equipo y es muy peleona. Así que busco expresar eso en su diseño. El cabello, el atuendo y la constitución física general deben mostrar eso claramente para que un lector pueda entender el diseño rápidamente. Por último, damos forma al conejo. Es la superestrella del equipo y utiliza la velocidad para ganar los partidos anotando. Tendrá una personalidad muy llamativa y durante el proceso de dar forma tuve la idea de que fuera un amputado. Esto no afectaría su función principal, que era ser el llamativo anotador de puntos, ya que solo necesita una mano para la bandera. Esto también le da más credibilidad a su personalidad, ya que sería muy popular por ser una superestrella incluso con su discapacidad física.

Detalles y Cohesión del Grupo

Así que ya tenemos las formas generales de nuestros personajes. A continuación, jugaremos con algunos detalles. Como puedes ver, me gusta saltar entre mis diseños. Cuando trabajo con un equipo o grupo de personajes que se verán mucho entre sí, me gusta diseñarlos juntos. Saltar de uno a otro me permite ver las cosas con diferentes perspectivas. Esto puede realmente ayudar a asegurarte de que tus personajes no sean demasiado similares. A veces buscas un aspecto cohesivo y otras veces no, realmente depende de la historia o la función de estos personajes.

Dado que estos personajes son un equipo, quiero cierta cohesión en los atuendos. Tengo algunas ideas en mente, pero ahora mismo mi enfoque principal es el cabello. El cabello es una parte importante de mi proceso de diseño, ya que realmente puede dar personalidad sin tener que añadir explicaciones a través del diálogo sobre cómo actúan. Así que jugaré bastante con los estilos de cabello hasta que encuentre algo que me parezca correcto. También es importante tener una amplia carpeta de referencia de peinados. Siempre recomiendo tener docenas, si no cientos, de peinados de todo el mundo guardados en algún lugar.

A continuación, me dedico a desarrollar al conejo. El alce y la hiena tienen algunas cosas generales que los hacen destacar y dan peso a sus diseños, pero el conejo tiene una complexión bastante normal. Así que quiero vender realmente el aspecto llamativo con su ropa aquí. Opto por un look de estrella de pista con el atuendo. Delgado, ajustado y libre para darle movimiento. Este tipo de detalles son realmente importantes cuando se trata de funcionalidad para mí. Solía hacer bboying o breakdance y el mayor problema para mí siempre fue la movilidad, así que definitivamente me tomo el tiempo para asegurarme de que las cosas tengan sentido o sean cómodas para personajes que son flexibles o planean moverse mucho. Ahora ajustamos algunos de estos diseños en el conejo, finalizando algunos detalles, dándole algunos rayos cursis para ayudar a vender su diseño y luego terminándolo con un corte de pelo a juego.

Logotipos y Aplicación en Atuendos

De hecho, se me ocurrió este nombre en el momento para el equipo. Dado que su dueño es una parte importante de la historia, quería incorporar su amor por la música de alguna manera. Me vinieron a la cabeza los "sound bites" (fragmentos de sonido) y pensé que era bastante ingenioso. El dueño aparece en el cómic más adelante como uno de los principales antagonistas. No me extenderé demasiado en mi proceso de diseño para este logo, pero en general, solo quería que fuera deportivo y tuviera colores fuertes.

La importancia de guardar materiales para uso futuro no se puede enfatizar lo suficiente. ¡Haz uso de esta función! Sabía al comenzar este diseño que lo usaría en múltiples camisetas, camisetas de fanáticos en la multitud o en vallas publicitarias en el cómic. Así que con eso en mente, decidí tomarme el tiempo para desarrollarlo por completo y guardarlo como material. Hacer esto con diferentes cosas realmente puede ahorrarte mucho tiempo, especialmente con los cómics. Para crear un material de imagen, simplemente selecciona lo que quieras usar y ve a Editar, Registrar material y haz clic en imagen. Desde aquí puedes nombrar tu material y también agregarlo a una carpeta.

Así que tenemos nuestros logotipos para poner en nuestras camisetas. Los coloco y les doy forma usando la herramienta de transformación. Si quieres transformar algo libremente de forma rápida, mantén CTRL y arrástralo en una dirección. Luego, empiezo a colocar algunos negros. Para los cómics, es importante usar el negro para los colores más oscuros y para añadir contraste a los atuendos. Puedes usar líneas blancas para mostrar detalles si lo necesitas o simplemente dejarlo en negro sólido. Algunos artistas también pueden usar un valor oscuro para representar el negro. Esto se reduce a una preferencia personal, pero ten en cuenta que los colores de un atuendo afectarán la forma y la vibración que transmite el personaje.

Al crear atuendos para personajes, puede ser muy divertido dejarse llevar. Tengo diseños algo realistas para los personajes de este cómic, pero también he incursionado en la alta fantasía y otros temas. Sin embargo, lo que siempre me importa son los elementos de diseño. ¿Transmite un cierto aspecto? ¿Vende un diseño? ¿Le da personalidad al personaje? Todas estas son cosas en las que debes pensar durante el proceso. Esto varía según el personaje, por supuesto, pero para estos, es lo que más importa.

El equipo, el equipamiento y las armas también son factores importantes y siguen las mismas reglas. Cuanto más tiempo puedas ahorrar explicando un personaje en un cómic, mejor. A veces quieres un aire de misterio alrededor de alguien y eso, por supuesto, es importante tenerlo, pero dado que estos tres no aparecerán más adelante en la historia, necesito tener diseños claros que realmente tengan sentido.

Estudio de Movimiento y Expresión

En este ejemplo se puede ver cómo hago algunos estudios procedentes de referencias reales o tratando de extraer la esencia de algunas ilustraciones que admiro. Algo que me parece muy importante para transmitir información sobre nuestro personaje es su pose o gesto. Sobre todo en las poses de combate podemos ver la importancia de las líneas de acción (líneas en rojo). Así, el movimiento en esta etapa es lo más importante para mí. El combate es movimiento, es dinámico. La pose puede expresar la acción durante el momento de ataque o defensa, pero incluso en una posición “estática”, anticipa los movimientos del estilo de lucha o arma que se haya elegido.

Cuando diseño la pose intento exagerar esto para que se vea más dinámica. No sólo el gesto es importante, debemos centrarnos también en las siluetas. ¡Sí, las siluetas! Una silueta interesante enriquece mucho las poses y los personajes. Debemos estudiar cómo otros artistas construyen estas siluetas. Sólo observen, los personajes más icónicos del mundo visual son fácilmente reconocidos sólo por su silueta. Al observar la silueta debemos preguntarnos: ¿se reconoce mi personaje?

Clip Studio ofrece una potentísima herramienta: los modelos 3D. La aplicación trae por defecto ya modelos muy buenos, pero además podemos conseguir más en los assets e incluso modificarlos nosotros mismos. En este caso usé una pose que adquirí a través de Clip Studio Assets. Este es el ID del artículo, por si quieren buscarlo: 1809838. Como pueden ver, no sigo exactamente la pose. Si estoy contenta con la pose de mi personaje, su silueta (que puede cambiar al añadirle elementos) y demás, comenzaría a profundizar en el desarrollo del dibujo. ¿Qué elementos puedo introducir en mi ilustración para que mi personaje de combate adquiera personalidad propia? Algunos elementos los tengo pensados de antemano, pero otros irán surgiendo. Será a partir de este momento cuando vaya introduciendo todo esto. En este caso me gustó este tipo de acabado.

Armas y su Representación Visual

Las espadas pueden dar más dramatismo y atractivo a un duelo o a una batalla. Resulta tentador empezar directamente con una escena de acción en plena batalla, pero las espadas también pueden expresar mucho en posición de reposo. Las posiciones Apoyada en el suelo y Clavada en tierra, por ejemplo, son relativamente pasivas. La viñeta que muestra al personaje con la espada Sujeta a la espalda nos transmite que el personaje, a pesar de no estar en posición de ataque, sí que está armado y listo para defenderse. Fíjate en cómo la espada apunta en dirección a las figuras que se aproximan, lo cual indica una posible conexión o interacción futura.

La postura Al hombro es algo más ofensiva, aunque también prudente. Este personaje probablemente sea aliado. Frente a las piernas lleva la ofensiva un poco más lejos. Este personaje podría ser un aliado temporal. La espada está en una posición pasiva, pero en la que es posible reaccionar rápidamente en caso de ser necesario. A la cadera es la posición más agresiva de las mostradas. Muestra la espada y la mano de quien la lleva preparada para agarrarla y atacar a su objetivo.

Vayamos al meollo del asunto: ¡los combates! Hay varias formas de mostrar nuestras espadas en acción. Con estas posturas puedes conseguir ángulos dinámicos en los que se muestra toda la espada y gran parte o incluso la totalidad del rostro y el cuerpo del personaje. Las posturas Primer plano y Contrapicado generan un alto impacto emocional. Podemos ver la cara de los personajes junto con la espada, ¡y viniendo directamente hacia nosotros! Diagonal funciona igual que Primer plano, aunque su composición es diferente, ya que muestra lo que ocurre entre acciones agresivas (un espadazo, por ejemplo) en el propio golpe o tajo. Hacia lo lejos es un ángulo direccional que apunta justo al lugar donde ocurrirá la acción.

Las espadas cruzadas ofrecen una forma de composición única para las viñetas que difiere de otras opciones para escenas de batalla. También da la oportunidad a quienes forman parte de la trifulca de mostrarse más cercanos al rival e incluso de intercambiar palabras. También está la Composición central, que es un enfoque diferente para la misma función. Las escenas con espadas en ángulo recto cuentan con muchas de las características de las composiciones ya mencionadas, como la capacidad de guiar la mirada del lector de un personaje a otro con una composición distinta de las habituales. Diagonal y Vertical/Horizontal sirven para mostrar la tensión previa al propio golpe o tajo. Estas composiciones son adecuadas para dividir las imágenes del escenario y enfocarse directamente en el personaje. Es importante que la espada toque el borde de la viñeta para lograr el máximo dinamismo. También es un buen método para conectar visualmente las viñetas con una línea sólida. De punta a punta y Horizontal sirven más para composiciones horizontales, mientras que División vertical y Alineado lateral son más recomendables para composiciones verticales. Este tipo de viñetas aprovechan la línea de acción de la figura y la extienden a través de la espada. Este tipo de composiciones son únicas, ya que en lugar de llenar toda la viñeta, se enfocan en encajar al oponente que lucha en posición defensiva en el espacio negativo generado por el rival que está a la ofensiva.

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