En el vasto y a menudo subestimado universo de los cómics, existe un género que ha sabido conquistar a un público maduro: los cómics para adultos. Esta forma de arte combina la narrativa visual con temáticas profundas y complejas, abordando cuestiones que van desde la psicología humana hasta la crítica social. El cómic para adultos ha emergido como una forma de arte y narrativa que explora temáticas complejas y relevantes en la sociedad contemporánea.
La historia del cómic para adultos ha tenido un camino fascinante, desde sus inicios en los años 30 hasta su consolidación como un medio de expresión serio y respetado. En sus primeras etapas, muchos cómics eran considerados exclusivamente para el público infantil, pero poco a poco comenzaron a surgir obras que abordaban temáticas más complejas y profundas. Autores como Will Eisner y Art Spiegelman fueron pioneros en ofrecer narrativas que exploraban la condición humana, las injusticias sociales y los aspectos oscuros de la naturaleza humana.
No se puede considerar el cómic, la historieta, el tebeo o la novela gráfica, hermanos menores de la literatura. Son otra forma diferente de expresión y, como tal, con sus propias reglas. Cuando se leen novelas se tiene en cuenta no sólo lo que dicen, sino cómo lo dicen, cuando intenta transmitirnos sensaciones y no sólo el texto directo por el que se relata la historia. Es para disfrutar por lo que se lee, pero disfrutar conociendo o compartiendo con los protagonistas y la historia. Ambos son libros, salvo que en un caso se dibujan letras y en el otro se incluyen dibujos, e incluso también de letras.
No es del todo cierto, como se ha afirmado muchas veces, que hasta la Transición el cómic fuera un medio destinado exclusivamente a los niños. Si bien la CIPIJ (Comisión de Información y Publicaciones Infantiles y Juveniles), organismo público de la censura franquista, lo entendía de esta forma y actuaba en consecuencia, hay que tener en cuenta cómo ganaban popularidad las novelas gráficas y cómo algunos tebeos (como D.D.T., Tio Vivo o incluso Pulgarcito) ofrecían historietas que se prestaban a una lectura y disfrute por parte del público adulto. También existen algunos precedentes de revistas satíricas durante la dictadura como La Codorniz (1941), Can Can (1958) y, ya hacia el final de la misma, Hermano Lobo (1972), Barrabás (1972), El Papus (1973), Por Favor (1974) o Butifarra (1975), aunque es durante la Transición cuando este mercado cobra un mayor auge, lo que propicia la aparición de nuevas cabeceras como El Jueves (1977).
La evolución del cómic para adultos
Podríamos proponer 1977 como la fecha en la que todos estos cambios en los planteamientos creativos de la historieta empiezan a encauzarse por derroteros más profesionales. Ése es el año en el que la recién creada editorial Nueva Frontera lanza la revista Totem. El subtítulo de la publicación, La revista del nuevo comic, define, en cierta medida, sus objetivos. Totem, publicada en un formato cercano al Din A-4, se nutrió de los principales autores de cómic para adultos (entendidos como personas de entre 12 y 30 años) que estaban publicando ya en Francia, Italia y Argentina: Hugo Pratt, Moebius, Crepax, Milo Manara, Alberto Breccia o el tándem formado por José Muñoz y Carlos Sampayo. Sin embargo, salvo algún autor español ya consagrado en otros mercados, la producción autóctona fue prácticamente inexistente en sus páginas.
El éxito de la cabecera animó a la editorial a repetir la fórmula y pronto, Nueva Frontera publicó varias revistas de cómic siguiendo la misma fórmula: Blue Jeans, Bumerang, Métal Hurlant (versión española de la revista francesa de mismo nombre), Vértigo (adaptación de Pilote), etcétera. Josep Toutain, por ejemplo, creará en 1974 una nueva editorial con su propio nombre y, valiéndose del entramado empresarial de Selecciones ilustradas, publicará las revistas 1984 en 1978 y Creepy en 1979. A diferencia de Nueva Frontera, junto a los autores extranjeros ya rodados en otros mercados, publicó también a autores españoles consolidados en Selecciones ilustradas y a nuevos talentos autóctonos como Miguelanxo Prado, Das Pastoras o Fernando de Felipe. En 1980, Toutain comienza a publicar también Comix Internacional y, en 1983, vende por fascículos su Historia de los cómics. Otra de las editoriales surgidas en el contexto de las agencias de cómic es Norma. Rafael Martínez, exempleado de Selecciones Ilustradas decidió crear su propia agencia en 1977 y, tres años más tarde, la editorial de mismo nombre. Norma se lanzará al mercado de las revistas con Cimoc en 1980 y Cairo en 1981.
Por otro lado, algunos historietistas habían recibido (aunque con retraso) la influencia del comix underground norteamericano y habían comenzado a autoeditar fanzines como El Rrollo enmascarado, La piraña divina, Carajillo, El Sidecar, Picadura selecta o Nasti de Plasti. En ellos se dieron a conocer autores como Nazario, Mariscal, Max y Pamies, entre otros.
Ayuntamientos, Diputaciones, Comunidades Autónomas y hasta la Banca, los Museos, los Colegios y las Universidades se apuntaron a la fiebre de las viñetas. En el terreno de las revistas de cómic financiadas por instituciones públicas cabe destacar muy especialmente Madriz. Muy vinculada a corrientes estéticas de la pintura más vanguardista y posmoderna y más orientada a la expresión de los sentimientos y el intimismo, las páginas de Madriz despertaron tanto el interés de algunas de las vanguardias del cómic europeo y las facultades de Bellas Artes como el recelo de las editoriales españolas. Completando el panorama de las principales revistas de cómic para adultos de los años ochenta encontramos Rambla. Distrinovel, filial catalana de Nueva Frontera apadrinó la publicación de esta revista, iniciativa autogestionada de los autores Luis García, Alfonso Font, Carlos Giménez, Adolfo Usero y Josep Maria Beá. Rambla se alejó de la tendencia predominante en el resto de revistas de la época en la que los autores extranjeros ocupaban siempre un primer plano y apostó directamente por los autores españoles.
El proyecto no resultó rentable y Distrinovel retiró su apoyo en el séptimo número pero Rambla continuó publicándose bajo el sello García-Beá Editores y, cuando Beá abandonó, bajo el de Ediciones Rambla. Otro de los proyectos autogestionados que conviene reseñar por su calidad fue Ediciones Metropol, que agrupaba a una serie de dibujantes y guionistas de Norma y Toutain bajo la dirección del guionista Mariano Hispano y el dibujante Leopoldo Sánchez. Ediciones Metropol llegó a abrir tres cabeceras Metropol, Mocambo y KO Comics pero no logró sobrevivir más de un año.
Un primer y rápido balance nos demuestra que entre 1977 y 1986 el mundo editorial español contempló un tanto sorprendido, la irrupción en el mercado de unas cincuenta publicaciones periódicas basadas de forma casi exclusiva en la historieta. En todo este magma de publicaciones podemos identificar diferentes líneas de desarrollo. Viviane Alary habla de la vía underground, de la vía de la experimentación y de la vía personal. Antonio Altarriba, en cambio se decanta por dividir la producción de las revistas en dos actitudes básicas: el planteamiento editorial de agencia (que basa su comercialidad en potenciar la importación y exportación de material) y la perspectiva editorial de fanzine o de los editores independientes (más preocupada en la consolidación de la oferta nacional).
El constante aflujo de nuevas cabeceras topa con un mercado incapaz de absorber una oferta tan variopinta. La demanda había sido sobrevalorada en exceso y no justificaba la amplitud de la oferta. Menos del 30% de las revistas sobrepasaron la barrera de los cinco años. El aumento de la oferta (entendida como número de títulos en el mercado) que se venía produciendo desde finales de los setenta había provocado una reducción de las tiradas de cada número en particular, lo que a su vez produce un aumento de los costes y, por tanto, del precio de venta y, a la larga, una caída del consumo. Aunque la oferta continuaba creciendo, el beneficio por editor se reducía. Finalmente, a partir de 1985 comenzaron a descender drásticamente tanto el número de editores como el de álbumes y revistas.
La supervivencia, tanto por parte de la editorial como del creador, pasaba por una operación doble. Es posible que este sistema de doble comercialización de las obras de mayor éxito, lejos de frenar la caída, acabara por rematar el mercado de las revistas. A las consecuencias sobre la demanda propias de la administración de la oferta, hay que añadir los cambios de tendencia. Antoni Guiral asegura que las revistas no supieron acompañar a su lector original en su crecimiento y sus intereses ni tampoco interesar a los jóvenes de la siguiente generación, que habían descubierto el comic book americano de superhéroes y más tarde el manga.
La caída de ventas en el mercado de las revistas de cómic para adultos hizo que, a finales de los ochenta y principios de los noventa, autores, editores y críticos hablaran de la “crisis del cómic” generando lo que Remesar y Altarriba denominan la ideología de las crisis. No faltaron debates abiertos y sonadas polémicas en la prensa diaria. Hoy, nos decantamos hacia la opinión expresada por teóricos como Antoni Remesar, Antonio Altarriba o Antonio Martín según la cual, existía una crítica acomodaticia, formada en su mayor parte por aficionados que habría insistido en el reconocimiento del medio sin presentar críticas negativas en vez de comenzar a orientar al lector hacia los productos más interesantes. En otras palabras, habría escrito para el editor y no para el lector. No obstante, como afirma Antonio Martín, los logros de las editoriales solo sirvieron para “ocultar que en general nada se había hecho para resolver los problemas profundos de la industria editorial del cómic”.
Obras destacadas en el cómic para adultos
Una de las obras más impactantes en este género es “Maus” de Art Spiegelman. Este cómic narra la historia del Holocausto utilizando animales para representar diferentes grupos étnicos. Otro título relevante es “Sandman” de Neil Gaiman, que abarca una amplia gama de temas, desde la muerte y la moralidad hasta los sueños y la realidad. Asimismo, “Persepolis” de Marjane Satrapi ofrece una mirada introspectiva a la vida de una joven en Irán durante y después de la Revolución Islámica. Por otro lado, “Fun Home” de Alison Bechdel desafía las convenciones del cómic al explorar temas de sexualidad, familia y memoria.
Algunos de los títulos más reconocidos en el ámbito del cómic para adultos, como «Maus», «Watchmen» y «Sandman», no solo son grandes en términos de narrativa y arte, sino que también han tenido un profundo impacto cultural. «Maus», por ejemplo, utiliza la forma del cómic para contar una historia desgarradora sobre el Holocausto, lo que ha llevado a discusiones sobre la memoria histórica y la representación gráfica de traumas. Por otro lado, «Watchmen» redefine lo que significa ser un superhéroe, planteando preguntas filosóficas sobre el poder y la moralidad.
El estilo artístico en los cómics para adultos es tan variado como sus narrativas, y esto influye considerablemente en cómo se percibe la historia. Comparamos el trabajo de ilustradores como Frank Miller, conocido por su estilo oscuro y expresionista en «Sin City», con el estilo más surrealista y poético de Neil Gaiman en «Sandman». Cada artista tiene un enfoque único que complementa la narrativa que se cuenta. Mientras que Miller utiliza el contraste de sombras para crear una atmósfera opresiva y peligrosa, Gaiman emplea elementos de ensueño que hacen que el lector se sumerja en un mundo alternativo y casi mágico.
Examinando la evolución del cómic para adultos, se pueden notar influencias del cine y la literatura más tradicional, pero siempre manteniendo su propia identidad estética y narrativa. La diversidad temáticas presentes en este medio permite una amplia gama de interpretaciones y reacciones por parte del público.
¿Qué define a un cómic para adultos?
Los cómics para adultos suelen abordar temas más complejos, como la política, la sexualidad o la moralidad, y presentan un lenguaje más elaborado y situaciones más intensas. Por otro lado, los cómics juveniles tienden a ser más ligeros, con tramas orientadas hacia la aventura y el crecimiento personal, utilizando un lenguaje accesible y evitando contenido explícito.
¿Cómo se comparan los temas y estilos de los cómics para adultos con los de la literatura convencional? Los cómics para adultos y la literatura convencional abordan temas complejos como la identidad, la moralidad y la sociedad; sin embargo, los cómics suelen utilizar un enfoque visual que complementa la narrativa de manera única. Estilísticamente, los cómics combinan imágenes y texto, lo que permite una inmediatez emocional que a veces puede ser menos accesible en la literatura escrita, donde el lector debe conjugar la imaginación con las descripciones.
Se habla de historias adultas cuando se tratan temas serios, complicados, asuntos trascendentales. Como si un adulto no disfrutara con invasiones alienígenas, superhéroes que salvan el día y encierran a los malos o matan al monstruo de turno. Creo que estoy dejando bien claro que no me gusta etiquetar una historia como «adulta». En todo caso estoy a favor de avisar en la portada de que el contenido puede ser excesivamente violento, incluso entendería que lo hicieran con el sexo, pero solo eso, avisar.
Para evaluar los mejores cómics para adultos, los criterios más importantes incluyen: la narrativa, que debe ser coherente y atractiva; la calidad del arte, que debe complementar la historia; la profundidad de los personajes, que debe permitir una conexión emocional; y temáticas que aborden cuestiones relevantes y complejas.
HISTORIA DEL CÓMIC 1. Los Orígenes.
La definición es lo de menos: se entienda como novela gráfica o tebeo para adultos, el cómic tiene la capacidad de hacer volar nuestra imaginación y transportarnos a universos singulares. Al igual que ocurre con los videojuegos, el cómic es un medio de expresión refrescante y sorprendente, que ofrece infinitas posibilidades que van más allá del mundo de los superhéroes. Hay autores, incluso, que han subvertido el lenguaje propio de este tipo de tebeos, ampliando los márgenes en cuanto a estilo y temas.
Estados Unidos es, sin duda, el país en el que se desarrolla el cómic como medio de masas. Fueron los grandes propietarios de la prensa de finales del siglo XIX, William Randolph Hearst y Joseph Pulitzer quienes, gracias a su rivalidad, hicieron posible que se popularizaran los primeros personajes y series de cómic en sus periódicos. Veremos, por ejemplo, algunos cómics que se publicarán durante la denominada Edad de Oro (Golden Age) que recoge aquellos cómics publicados entre 1938 y 1956, 18 años en los que el cómic se popularizó y se convirtió en una verdadera industria cultural. También incluiré títulos del cómic underground y el cómic independiente.
Otro de los focos de influencia del cómic actual, al menos en España, viene del denominado cómic franco-belga. Incluyo algunas obras que se empiezan a hacer en Europa y que muy pronto tendrán una personalidad propia. Francia hoy día, debido a su inicial proteccionismo particular, es uno de los países europeos con mayor tradición en cómic. La bande dessinée, (BD en sus siglas) es un gran referente en España, país cuyos tebeos no incluyo aquí (pese a ser europeos) ya que dedicaré un apartado específico más abajo al tebeo español.
La industria del Manga japonés es la más potente del cómic internacional. A pesar de llegar tarde a Europa (a España llegó en los años 80 y 90), sus aficionados (otakus) se cuentan por millones. No podemos negar el enorme atractivo que tienen los Manga entre los y las adolescentes de todo el mundo, posiblemente debido, entre muchas otras cosas, a que en Manga se puede encontrar cualquier tema imaginable. España, tras Francia, EE.UU. y el propio Japón, es uno de los países donde más Manga se consume. Además de la industria japonesa, Corea del Sur y los autores y autoras coreanas están desarrollando un cómic que cada vez está teniendo más presencia a nivel internacional.
Aunque buena parte del cómic español bebe directamente del cómic franco-belga (creo que es algo fácil de observar), también se han publicado títulos de clara influencia americana. La BD francesa está muy presente en nuestro país. Actualmente son muchos los autores españoles que editan allí sus cómics primero antes de que sean editados en España.
Desde el principio voy a diferenciar entre webcómic y cómic digital. Con webcómic haré referencia a aquellos cómics que son creados para su distribución y lectura online a través de distintas plataformas o en la propia web del autor o autora. También desarrolla un lenguaje específico relacionado con el método de lectura (scroll, pantallas…). Con cómic digital me referiré a un cómic que se distribuye en formatos que pueden ser descargados para su lectura offline (archivos PDF). En ambos casos, su elaboración puede ser realizada por medios digitales o no, ya que esto no es una característica para hablar de cómic digital ni de webcómic.
En determinados momentos los distintos mercados eran cerrados y cada zona leía el cómic que se producía en sus países. Habrá que esperar a que los cómics se editen en otros idiomas y traspasen las fronteras para poder hablar de un cómic global en el que será posible que autoras españolas y autores españoles dibujen o escriban para editoriales estadounidenses o que desde Francia se publique manga para Japón.
En el vasto y a menudo subestimado universo de los cómics, existe un género que ha sabido conquistar a un público maduro: los cómics para adultos. Esta forma de arte combina la narrativa visual con temáticas profundas y complejas, abordando cuestiones que van desde la psicología humana hasta la crítica social. En este artículo, exploraremos algunos de los mejores títulos de cómics dirigidos al público adulto, analizando su impacto, estilo y temáticas. Desde clásicos atemporales hasta obras más recientes, cada uno de estos cómics nos ofrece una ventana única al mundo de la literatura gráfica para adultos, demostrando que este medio tiene un lugar reservado en la alta cultura.