El anime (アニメ en japonés) es el término que identifica a la animación de procedencia japonesa. Es un medio de gran expansión en Japón, siendo al mismo tiempo un producto de entretenimiento comercial y cultural, lo que ha ocasionado un fenómeno cultural en masas populares y una forma de arte tecnológico. Tradicionalmente es dibujado a mano, pero actualmente se ha vuelto común la animación en computadora. Sus guiones incluyen gran parte de los géneros de ficción y son transmitidos a través de medios cinematográficos.
La relación del anime japonés con el manga es estrecha, pues históricamente una gran cantidad de series y trabajos de anime se basan en historias de manga populares. Además, también guarda estrecha relación con las novelas visuales. Anime, fuera de Japón, es el término que agrupa los dibujos animados de procedencia japonesa. En Japón se utiliza el término para referirse a la animación en general.
La ideología más fuerte es que el término anime proviene de la abreviación de la transcripción japonesa de la palabra inglesa "animation" (アニメーション animēshon?). Internacionalmente, el anime llevó una vez el nombre popular "Japanimation", pero este término ha caído en desuso. Los fans pronunciaban la palabra preferiblemente como abreviación de la frase "Japanese Animation" ('animación japonesa' en español).
Dentro de las características notables en el género, se destaca el desarrollo de tramas complejas a lo largo de un cierto número de episodios. En la década de 1970, el anime empieza a tomar un rumbo diferente dentro del mundo de la animación. Mientras que las producciones occidentales se caracterizaban por estar dirigidas hacia un público infantil, el anime trataba temas más complejos como el existencialismo y a veces utilizaba un lenguaje más maduro, algunas escenas de violencia y sexuales.
Varias veces los objetivos demográficos a menudo afectan a los contextos ideológicos de la obra: por ejemplo en el shōnen, en las series de acción, se toman momentos que pasan en la adolescencia como la amistad, el compañerismo, las peleas, las aventuras, el sacrificio por el amor. En el seinen que también es para un público adulto se toman temas más maduros como políticos, sexuales, o científicos (que, a excepción del kodomo, también pueden ser parte de otros géneros demográficos, solo que se ven con más profundidad en éste).
Toma elementos de la fantasía y lo sobrenatural. También se toma en cuenta las relaciones que tienen los personajes, como amigos o familiares. La mayor parte de las series de anime pueden tener algo emocional y connotaciones ideológicas. Las imágenes pueden crear un fondo adecuado para la transferencia de sus pensamientos emocionales.
En las series destinadas a un público femenino se le toma más importancia a los sentimientos de los personajes, aunque no es ajeno también a las series destinadas a un público masculino, en donde comúnmente los personajes están desesperados por una persona en especial (algo que puede ser tanto como drama y comedia romántica), el mejor ejemplo en cuánto a la expresión de sentimientos es la serie Candy Candy. Y también el sacrificio de amor que hace una persona por su pareja, un concepto que se maneja en las series de acción, cuando un personaje femenino trata de ser rescatada de los oponentes, ocurre el duelo entre el personaje principal y su enemigo (se refleja por ejemplo en la serie InuYasha).
Aunque es más predominante la fantasía sobre los sucesos reales, algunas series han tenido influencia del movimiento del realismo, incluso se han adaptado obras literarias al anime. Las historias contadas a través de este medio pueden ser producidas mediante la combinación de variados géneros cinematográficos, como tales hay una gran cantidad de temas, pueden describir acontecimientos históricos, como los citados después.
Algo que sí se tiene que tomar en cuenta es que en el anime se reflejan la cultura y las tradiciones japonesas. Las ideas populares de los personajes son: la persistencia, la falta de voluntad de entrega de personas muy poderosas o circunstancias a las que enfrentarse en la vida. También hay series con drama histórico, que narran diferentes sucesos de Japón, como Rurouni Kenshin (también conocida como Samurai X), o también de Europa como la película Steamboy, en donde parte de los personajes son ficticios, pero otros pueden ser parte de la historia.
Otro elemento muy distinguido es el existencialismo, en donde los personajes tratan de analizar su historia, y los diferentes sucesos por los que han pasado, puede verse de manera muy profunda en Ghost in the Shell. Lo que se ha dicho acerca de la tradición sintoísta también es útil para ilustrar la forma en que el complejo debate sobre la relación entre la naturaleza y la tecnología ha sido desde hace mucho tiempo importante en la sociedad japonesa (aunque también en el mundo entero), y esto se refleja en el anime.
Por ejemplo, la película Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares, muestra una relación entre el medio ambiente, al ser representado por animales en una isla, y la tecnología, al ser parte de propaganda de la Segunda Guerra Mundial, en donde también el gran desarrollo de la tecnología ha sido parte de la posguerra. También dentro de los géneros de la ciencia ficción están el mecha (robots gigantes), en donde se puede explicar como la tecnología en vez de ser un desarrollo positivo, comienza a ser una gran fuente de devastación, paradójicamente el daño ocasionado es recuperado por la misma tecnología. Otro concepto es el Cyberpunk, en donde la película Akira se le considera una pionera. También en la serie Sakura Cardscaptor, el concepto de humanidad es mezclado con tecnología, y la humanidad se le toma menos importancia, generalmente van acompañadas con temas de existencialismo.
Este género narrativo es una mezcla principalmente de las culturas japonesa y occidental. Del género occidental rescata algunos arquetipos de personajes, presentación en capítulos de misma duración y técnicas de animación entre otras cosas. A esto le añade conceptos tradicionales japoneses como el énfasis en la vida cotidiana y el estilo tradicional de dibujo japonés modernizado.
Otro factor que conduce el anime son las tradiciones, las anécdotas y situaciones que, sin duda, son la ética marcial que es básicamente debido a la complejidad de código de conducta que consiste en el bushidō, la vía de los nobles guerreros. Las historias en el anime, en particular, tienden a combinar los aspectos de bujutsu (武術) y el budō (武道) que proporcionan el derecho capaz de demostrar la lucha, sino también para representar el camino de la moral y de educación protagonista.
En algunas casos, el héroe también puede ser divinizado como en la mitología griega. Sin embargo, dado que el bushidō se connota por la presencia de cualidades de liderazgo moral, como la justicia, el sentido del deber, la lealtad, la compasión, el honor, la honestidad y la valentía, es bueno recordar que su origen cultural no sólo se presenta en él anime, que de alguna manera se centran en el combate, o directamente en el conflicto puesto en el Japón feudal, sino que también se presenta en la modernidad de Japón. El Bushidō, que es la moral de Japón , es el culto del espíritu absoluto, el desprecio de lo material.
En el camino de los budōka hay una norma que no podrá comenzar sin un guía, ya sea de un padre o un maestro (先生 sensei), poco importa, lo que indica la calle con su comportamiento. En la sociedad japonesa, por lo general es representado por el par senpai-kōhai (tutor-trabajador, veterano-aprendiz), donde el primero es "el que se inició por primera vez, y la segunda, que comenzó más tarde". En el sentido del deber presentado en el anime por los japoneses, la verdadera fuerza está en no preocuparse por su propia felicidad personal con el fin de lograr los ideales y cumplir con un deber, es una búsqueda por tratar de buscar un camino interno.
Las visitas tienen el deber de pagar una deuda, que puede ser contra el rey, los padres, los antepasados y aun en contra de su nombre, pero en las historias de muchas personas llegan a estar en contra de todo el mundo, el respeto en el que el protagonista, a menudo más allá de sus sentimientos personales y el aislamiento que implica su inevitable diversidad, asume la responsabilidad por el sacrificio propio, que es inspirado por la historia militar de Japón.
Aunque el anime se considera separado de los dibujos animados, este utiliza muchas características aplicadas en las caricaturas como storyboard, actuación de voz, diseño de personajes, entre otras. El anime también tiende a tomar prestados elementos de muchos textos de manga en el fondo, y los paneles de diseños también. La mayoría de las veces es la adaptación de manga en video - aunque también se adapta de una novela ligera o una novela visual - ; teniendo comúnmente menos detalles en sus trazos.
El anime es conocido por su animación, la cual es muy particular comparada con la que tienen los dibujos animados occidentales tales como los de Disney. Los estudios en los que se realiza anime han perfeccionado técnicas para utilizar la menor cantidad de cuadros de animación por segundo que sea posible (8 cuadros por segundo), tales como mover o repetir escenarios, imágenes de los personajes que se deslizan por la pantalla, y diálogos que impliquen animar únicamente las bocas mientras que el resto de la pantalla permanece estática. Otros argumentan que el mejor anime debe acentuar la dirección sofisticada sobre la animación actual (movimiento del personaje), proporcionando una ilusión de movimiento cuando en realidad no lo hay.
Aunque en los últimos años todo ha mejorado debido al uso de tecnologías computacionales usándose software especializado en animación 2D o combinación 2D/3D. Los lugares representan la atmósfera de las escenas, también puede haber series como en La melancolía de Haruhi Suzumiya, en donde los lugares pueden hacer referencias a diferentes localizaciones en la vida real. También hay simulación de ángulos de cámara, movimiento de cámara que juegan un importante rol en las escenas.
Eligiendo una temática de la animación, se empieza la redacción del guion, en virtud de la cual el director, con la asistencia del director de producción, empieza a dar directivas al primer diseño de personajes, el director artístico puede realizar un primer esbozo de los personajes y ambientes. Con lo desarrollado se dirige hacia la creación de guiones, una especie de historieta que sirve de base para el seguimiento de todo el personal, proporciona detalles tales como el número de fotogramas de la escena, los efectos visuales y de los antecedentes necesarios, cámaras, los movimientos de cámara, la dinámica y la composición de las escenas (para la creación de veintiséis minutos de storyboards, normally, se requieren alrededor de tres semanas de trabajo).
Una de las principales innovaciones introducidas por el anime es la recuperación de técnicas que se utilizan para compensar la animación limitada, muy similares a los utilizados en la dirección del cine. Muchas de las técnicas descritas anteriormente de recuperación, son también funcionales en el momento crucial de dilatación del tiempo en el anime. Sobre lo que se basa el hecho de que la mentalidad y la espiritualidad japonesa no tiene mucho sentido hablar de tiempo en términos cronométricos objetivamente de la medida, ya que no tiene principio ni fin, se puede decir que lo que cuenta es la calidad de un momento, la intensidad con la que se vive.
Esta es la razón por la que en el anime se encuentran a menudo momentos antes de lo "eterno", en el que el tiempo coincide con la descripción del entusiasmo, de manera que en cuanto más se trata de la más intensa se extiende hasta el momento se presenten fuera de tiempo, en una imagen fija, o en una sartén (ténica de animación).
En el anime el diseño de personajes puede variar de ciertas maneras dependiendo de la época o los dibujantes. Cabe destacar que en el anime son usualmente influenciados más de un tipo de estilo de brocha más que la caligrafía de lápiz. Los ojos: comúnmente son muy grandes, ovalados, muy definidos y con colores llamativos como rojo, rosa, verde, morado, aparte de los normales como café y azul. Frecuentemente se nombra a Osamu Tezuka como quién introdujo los ojos grandes, ya que notaba la técnica de Disney de ojos grandes para dar más personalidad y expresiones faciales a Mickey Mouse y demás personajes. Tezuka usó esta técnica primeramente con Astroboy, manteniendo los demás personajes con ojos pequeños.
En producciones animadas se usa los ojos grandes para la acentuar personalidad; pero no en todas las producciones de animación hay ojos grandes como en las películas de Hayao Miyazaki; ni es exclusivo del anime japonés, producciones de animación occidental tiene también ojos grandes. El coloreado es para dar a los ojos profundidad. El cabello: hay de todas formas, tamaños y volúmenes, para personajes masculinos o femeninos. El cuerpo: puede ser muy parecido a las proporciones del cuerpo humano, aunque de una manera muy escultural como en el moé.
A lo largo de los años, el nombre de Studio Ghibli se ha hecho cada vez más popular. No es de extrañar ya que cuenta con un sello de calidad único al no solo apostar por historias fantásticas nunca antes vistas, sino por su capacidad única para sorprender. Dentro de su amplio catálogo de obras, una de las más reconocidas es ‘Mi Vecino Totoro’, la cual llega a tener a su protagonista como imagen del propio estudio. Tal es la importancia de Studio Ghibli que en Nippon TV, en su espacio reservado para películas “Kinyo Roadshow”, se ha estado mostrando a lo largo del verano curiosidades de estas películas y, esta vez, le tocó a ‘Mi Vecino Totoro’. Aquí se publicó un trivia con el detrás de la escena con información secreta de la obra, con datos que sin duda han marcado a muchos de los fans.
La presencia del gatobús en Mi Vecino Totoro Este simpático vehículo hace acto de presencia en varias ocasiones durante la película. Una de ellas es la más inesperada para los fans y es que, en un punto de la película, Satsuki nota una ráfaga de viento mientras transporta madera. Si bien esto puede parecer tener relación únicamente con la naturaleza y el lugar en el que vive, ahora sabemos que fue el gatobús al pasar el que creó dicha ráfaga.
No es la única relación llamativa con este personaje. Un detalle que llama la atención es que, en su cartel, se ve como destino establecido la palabra “su”. Traducido, esto significa “nido”, lo que puede resultar confuso. Sin embargo, como indicó Miyazaki, esto indica que gatobús, al acabar su trabajo, dirige su camino hacia su nido para, de este modo, poder descansar.
El motivo por el que Totoro ayudó a Satsuki Un aspecto que llama la atención de todos los fans es que Totoro optase por dejar su descanso para poder ayudar a Satsuki. Muchos pensaron en las buenas intenciones de Totoro o que incluso razonase la situación; sin embargo, Miyazaki niega estos hechos. Afirma que Totoro no es un gran pensador, sino que ayudó a Satsuki porque esta le pareció linda.
Totoro sabía dónde se encontraba Mei, consciente de que no estaba lejos, y veía que Satsuki la buscaba. Por ello, llamó al gatobús para que la llevase hasta la pequeña niña. Sin embargo, aquí llama la atención el comprobar que Totoro no se une a Mei ni Satsuki en el viaje, a pesar de que sí se sentían reconfortadas por su presencia. ¿A qué se debe que no subiese al vehículo? Miyazaki explica que Totoro decidió no ir con ellos ya que eso impediría que las niñas volviesen al mundo humano.
El lugar en el que se ambienta la película Miyazaki en ningún momento mostró intención de indicar dónde se desarrollaba la historia. Sin embargo, varios destinos presentes en la película nos aportaron esa información. Por una parte se encuentra el nombre del pueblo, Matsugo, el cual se encuentra en la ciudad de Tokorozawa, en la prefectura de Saitama. Además de esto, se habla del hospital Nanakuniyama, el cual también se encuentra en Tokorozawa. Esto debemos recordar que se debe a que Miyazaki vive en la prefectura de Saitama, cerca del bosque que le ayudó a desarrollar la historia de Totoro y el cual busca proteger.
Los créditos finales de la película y el pensamiento de Miyazaki sobre la producción Estos dos puntos tienen una relación de lo más importante. Por una parte nos encontramos con los créditos finales. Aquí podemos ver lo que sucede con Satsuki y Mei al acabar la película. Por una parte sabemos que la madre ha sido dada de alta, lo que se traduce en una Mei que se convierte en una niña mimada y que, a pesar de ello, cuida de los niños más pequeños del lugar. Por otra parte está Satsuki, quien al volver su madre, pierde el rol de madre para, finalmente, recuperar su infancia.
Por último, Miyazaki quiso compartir sus pensamientos sobre la película. Explica que su objetivo con ‘Mi vecino Totoro’ era crear una producción que fuese feliz y conmovedora, capaz de conmover a los padres y recordales su infancia, mientras que a los niños les hiciese desear conocer a Totoro y vivir su infancia intensamente.
A la hora de hablar de las películas de Studio Ghibli, los fans siempre se encuentran con tiernas historias capaces de transmitir emoción y alegría, incluso provocar que nuestro corazón se encoja en los instantes de mayor sufrimiento. Esto da paso a que algunas de sus obras se hayan colado en los tops más destacados, como es la presencia de ‘El viaje de Chihiro’ en los mejores animes de mundos alternativos.
Sin embargo, una de las películas por las que mejor se reconoce a Studio Ghibli es por el personaje que también le sirve de símbolo. Hablamos de Totoro, un personaje que, a pesar de su aspecto adorable, podría tener una historia mucho más oscura detrás. Esta es la oscura leyenda que se oculta tras Totoro aunque, antes de seguir, avisamos a todos los que no la hayan visto que, si desean verla sin llevarse un spoiler, es mejor que dejen de leer a partir de este punto.
ALERTA SPOILER Mi Vecino Totoro | Studio Ghibli La oscura historia de Totoro, el famoso personaje de Ghibli.
Como toda gran producción, los fans siempre buscan encontrar un sentido a lo que ven. Si bien algunos aceptan que Totoro puede tratarse de un espíritu que habita en el bosque, otros tantos han buscado el enfoque más oscuro para su presencia. Y es que explican que, debido a la situación que viven las niñas con su madre, Totoro podría ser en realidad el Dios de la Muerte o, incluso, un Shinigami.
Indican que, todos aquellos que pueden ver a Totoro, es porque están cerca de la muerte o, incluso, ya están muertas. En este caso, las pequeñas protagonistas se encuentran con una madre que está ingresada en el hospital debido a un supuesto catarro, aunque hay quienes afirman que, en realidad, se trata de una enfermedad mucho más grave de lo que se admite. ¿Por qué? Porque no quieren preocupar a las niñas.
Durante toda la película se nos muestra que las pequeñas quieren ver a su madre, incluso exploran el lugar con intención de ayudar. Sin embargo, esto da paso a todo tipo de situaciones, incluyendo un momento en el que la pequeña Mei se pierde y el pueblo la busca desesperadamente. Claro que es aquí donde se sitúa uno de los acontecimientos más importantes que dan peso a esta teoría.
Mi Vecino Totoro | Studio Ghibli El instante en el que Totoro ayuda a las pequeñas.
Cuando encuentran una sandalia en el estanque, se indica que es posible que se trate de la sandalia de Mei y que esta se haya ahogado. Sin embargo, Satsuki niega que sea de su hermana, a pesar de que en la escena comienza a correr con intención de ir a pedir ayuda a Totoro. Una escena que, si bien podría parecer que simplemente es que confía en el espíritu para encontrarla, esta teoría afirma que es completamente distinta.
Se explica que la realidad es que Mei habría muerto ahogada y Satsuki, incapaz de aceptar la verdad, decide acudir a Totoro para pedirle que la lleve con su hermana al mundo de los muertos. Es ahí cuando, reencontrándose, juntas acuden a ver a su madre, la cual es la única que se da cuenta de que ellas están ahí porque, como bien hemos indicado, solo alguien cercano a la muerte puede ver a Totoro.
Sin embargo, a pesar de que muchos han indicado que incluso esta situación tiene relación con un caso llamado “El incidente Sayama”, Studio Ghibli indicó que la teoría no es correcta y que esta no tiene relación con Totoro.
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En la década de 1970, el anime comienza a explorar temas más complejos, alejándose de la animación puramente infantil y abordando conceptos como el existencialismo, la violencia y las relaciones humanas con mayor profundidad. Esta evolución ha permitido que el anime abarque una vasta gama de géneros, desde la ciencia ficción hasta el drama histórico, reflejando a menudo la cultura y tradiciones japonesas.
Studio Ghibli, con películas como 'Mi Vecino Totoro', se ha destacado por crear obras que combinan fantasía y emoción, dejando una huella imborrable en la animación mundial. A pesar de su apariencia tierna, algunos fans teorizan sobre interpretaciones más oscuras de sus personajes, como la posible conexión de Totoro con el Más Allá, aunque la compañía ha desmentido estas teorías, reafirmando la naturaleza mágica y reconfortante de sus creaciones.
