Crear cómics es una de las experiencias más bellas de la vida, porque el cómic es un arte mayor. A pesar de ser el 9º Arte, es una de las artes mayores más completas, junto a la ópera, el cine y los videojuegos. Vas a poder expresarte sin apenas censuras, porque al no ser un arte tan de masas, puedes expresar casi lo que quieras.
Si estás leyendo esto, es porque te gusta hacer cómics, te hace feliz, te hace sonreír. Genial, porque la mayoría de las personas no encuentran ni un ápice de lo que tú has encontrado: un tesoro. Sí. Piensa en lo que quieres transmitir, en lo que sientes. Empieza a dibujar cómics disfrutando, sin ninguna pretensión comercial, contando historias que realmente te interesan y buscando un modo original de expresarlo.
En tu camino no te dejes arrastrar por las influencias de otros autores, ellos solo tienen que ser para ti un aprendizaje. Cuando tenía 18 años tuve la suerte de enseñarle mis dibujos a Moebius. Aún no me atrevía a presentarme a editoriales porque sabía que me quedaba mucho que aprender. No cometas el error de intentar crear un estilo cuando aún te queda mucho por aprender.
Hace tantos años que empecé a dibujar cómics, que no existía Internet. Tuve la suerte de que el gran Carlos Jiménez me invitó a su estudio para enseñarme cómo se documentaba y cómo dibujaba sus cómics, y se lo agradezco infinitamente. Dibujar cómics es parecido a rodar una película. Hay que crear a los actores (personajes), escenarios, vestimentas y darle expresividad y movimiento a las escenas.
Nunca intentes que tu primer cómic sea de más de 8 páginas. Primero cuenta historias cortas para que no se te haga tedioso, investiga con diferentes estilos de dibujo hasta que encuentres el que te haga sentir más cómodo y puedas lucirte más.
Dibujar un cómic-book (con 42 páginas o más) es un proceso muy largo, y más si no vives de ello, ya que tienes que compaginarlo con un trabajo y hacerlo en tus ratos libres. Depende de cuánto tiempo le dediques, puede durar de un año para arriba.
El Proceso de Creación de un Guion de Cómic
El argumento es describir la acción de tu guión en 2 o 3 páginas como mucho. Un buen argumento incluye una breve descripción del escenario y «verbos», es decir frases cortas y acción. «Dormitorio. Día. Julio se levanta de la cama. Está mareado.
Si observas esta descripción de escena, tiene una breve descripción del lugar, del tiempo y de la acción con verbos, los verbos definen la acción. Resalto la acción porque es aburrido ver a un personaje que no interactúa con su entorno, los personajes siempre tienen que estar haciendo algo. Antes de dibujarlo tendrás que diseñar los escenarios y personajes. Incluye variedad de bocetos y dibujos de tu cómic para enriquecer tu presentación. Wow! Qué divertido! Empiezas a profundizar en la representación visual de los personajes y escenarios, en lo que quieres transmitir. Caracteriza a tope. El malo tiene que verse claramente que es perverso, y el bueno, un ángel.
Métodos de Escritura de Guiones
Hay miles de formas de escribir un guión de cómic: depende de los gustos del guionista, de lo que mande la editorial, o de lo borracho que estés mientras escribes. El método Marvel da mucha más libertad al dibujante. Consiste en contarle al dibujante lo que queremos que dibuje, pero dejando en su mano la planificación de páginas y viñetas. Ambos métodos tienen sus ventajas e inconvenientes. Y depende de tus preferencias usar uno u otro. De tus gustos… y del dibujante. Hay dibujantes que no se sienten cómodos con el método Marvel, bien porque no les gusta (o no saben) planificar la página, o porque les supone mucho tiempo hacerlo. Ten en cuenta, a la hora de elegir un método u otro, a tu dibujante, y su capacidad. Si no sabes quién es, quizás sería conveniente que usaras el método detallado, ya que lograrás resultados más acordes con tu idea. Obviamente, siempre puedes elegir un método intermedio entre ambos: dividir el guión en páginas, pero dejar que el dibujante haga la división en viñetas. Con la práctica, acabarás decantándote por un método u otro. Pero pruébalos todos antes de decidirte.
Lo primero que deberías hacer es escribir el argumento de la historia. Si vas a guionizar usando el método Marvel, esta será ya una primera versión del guión que entregarás al dibujante. Una chica decide suicidarse saltando de un tejado. Así puesto parece muy poca cosa. No hemos dicho nada. No hemos puesto esos toques que harán que tu historia no sea la más tópica del mundo, ni nada. No te preocupes, esto es sólo el comienzo. Lo siguiente sería describir los personajes principales. Esto es algo bastante importante. Deberías entregar, junto al guión, una descripción - más o menos completa - de los personajes de la historia. Sólo de los principales, para los que de verdad necesites que el dibujante siga tus directrices. Aunque el guión sea parte de una serie, no está de más incluir las descripciones con todos los números o, mejor aun, imágenes de ellos si ya han sido dibujados con anterioridad. Chica: joven de unos 13-14 años. Morena. Delgada.
Ya tenemos el argumento y los personajes. Ahora es la hora de redactar el guión para entregárselo al dibujante. Vemos a la chica en una azotea, a punto de saltar. Se arrepiente, quiere vivir… pero ya es tarde. Como podéis ver, simplemente se ha desarrollado un poco el argumento, añadiendo sólo los diálogos esenciales para que el dibujante ponga las escenas y las expresiones correctamente.
Vemos a la chica cayendo al vacío. Son cuatro viñetas horizontales, del mismo tamaño. Vemos desde abajo como cae la chica. Si os fijáis, veréis que las viñetas están indicadas con dos números. El primero indica el número de página a que pertenece, y el segundo el número de viñeta dentro de la página. Para cada viñeta, damos una descripción (más o menos larga) de lo que pasa en ella. Acordaos siempre de poner todo lo que sea importante para el guión. Si creéis que es necesario, podéis pedir que las viñetas de la página lleven una estructura especial (en el guión del ejemplo, se pide que la pagina tres tenga una estructura 3-1- 3, es decir, tres viñetas en la fila superior, una en la del medio y 3 en la inferior). Por último, si queréis que la página sea una splash page, indicadlo junto al número de página, es decir, poned Página 28. Splash page, o bien, Página 12-13.
Además de la descripción, para cada viñeta añadimos los diálogos, onomatopeyas y cuadros de texto que vayan en ella. SIN TEXTO: significa que no hay absolutamente nada escrito en la viñeta. ¿Por qué ponerlo? CUADRO: indica que el texto que venga a continuación va incluido en un cuadro de texto. Si quieres que tus cuadros de texto tengan alguna característica especial (color de fondo, tipo de letra, etc.), indícalo al principio del guión. Nombre de personaje: indica qué es lo que dice ese personaje. Ten en cuenta que no puedes soltar parrafadas enormes, que no caben en un solo bocadillo, y que entorpecen la lectura del cómic. Si detrás del nombre de personaje añadimos (pensando), indica que es un bocadillo de pensamiento; si añadimos (gritando) es un grito (bocadillo con líneas quebradas); (susurro) para la voz baja (bocadillo con líneas punteadas); (LG) para usar letras grandes (normalmente para reforzar un grito); y (LP) para letras pequeñas (que indican que se habla bajo o entre dientes). Las negritas y cursivas pueden ponerse con un programa de edición de texto. Las cursivas suelen usarse cuando se emplean palabras extranjeras. Estas son las opciones más generales.
Las splash page quedan mejor si van en las páginas impares (las que quedan a la derecha). ¿Por qué? Porque cuando giras la página, lo primero que ves (salvo que dobles el tebeo por completo) es esa página. Procurad no poner textos muy largos en los bocadillos. Una conversación eterna entre dos personajes, o un monólogo, pueden funcionar en una novela, pero no en el cómic. Muchas viñetas iguales, pequeñas, dan sensación de que el tiempo va más lento.
Publicación y Mercado de Cómics
Hace años en España existían muchas editoriales especializadas en cómic que editaban revistas, esto ayudaba mucho a los autores económicamente y para su promoción. Cimoc y El Víbora fueron unas de las más importantes. Sin embargo actualmente existen editoriales de cómic pequeñas en las que, cuando estés orgulloso de tu cómic, puedas publicarlo. Normalmente estas editoriales pagan poco, solo en concepto de derechos de autor, pero son muy interesantes para ir aumentando tu currículum y experiencia.
Cuando publiques en España, ya podrás plantearte publicar en los países donde tendrás más beneficios con tu cómic y podrás promocionarte a nivel internacional. Estados Unidos: especializado en novelas gráficas de superhéroes y cómics de series. Japón: el país del manga. En este país se publican cómics para todo tipo de personas, desde adolescentes hasta ejecutivos o amas de casa. Francia: especializado en cómic de autor o novelas gráficas de autor, que suelen tratar más de temas autobiográficos o de aventuras, por eso es más común ver cómics donde el autor, no solo dibuja, entinta y colorea el cómic, sino que además escribe el guión (como Hugo Pratt por ejemplo).
El mercado de cómics se lo reparten las grandes editoriales, lanzando novedades sin contemplaciones sólo para saturar el mercado y ofrecer menos oportunidades a sus competidoras directas. Eso, visto por el simple aficionado de la lectura de cómics, está muy bien. Mayor variedad, mayores opciones de compra. Pero la realidad es que el mercado no va tan bien como puede parecer, y esa guerra de las grandes editoriales lo único que hace es dificultar aún más las posibilidades de editoriales pequeñas. Las cuales, por otra parte, son las únicas que corren un cierto riesgo con los cómics que editan y con los autores, la mayoría sin ese renombre que atrae las ventas en masa. De vez en cuando, las editoriales pequeñas editan pequeñas joyas que pasan desapercibidas hasta que el autor de ese cómic empieza a convertirse en un autor conocido y entonces todo el mundo se fija en esa obra, posiblemente reeditada por una grande.
Además, si te molestas en enviar muestras de distintos proyectos, la mayoría de las veces obtienes un silencio sepulcral por respuesta. Ni un "no", ni un "sí", sólo un " ". Ni un intento de guiarte por el camino correcto, ni de darte un consejo, ni siquiera de mandarte a paseo por pesado. NADA. Y cuando crees que has encontrado a alguien serio, que entiende el mercado y el mundillo y que se atreve a probar con autores del país, resulta que es un payaso que no tiene ni idea de nada y que te ha hecho perder un tiempo y unas ilusiones que no podías desperdiciar. Así que las mayores opciones son enviar muestras a editoriales extranjeras, francesas y norteamericanas. Y allí normalmente te responden sea cual sea la decisión editorial e incluso consigues editar algo.
Por si fuera poco, un guionista necesita obligadamente un complice que le dé vida en forma de dibujos a sus ideas, osea un dibujante. Todos los dibujantes con los que estoy "asociado" en algún proyecto me parecen estupendos y los considero colegas, pero tengo que decir que a veces me da la sensación de ser un "segundo plato" de algunos, pues veo como pasa el tiempo y no llegan páginas ni resultado alguno de lo que para mí era y es buen guión. Y a estas alturas el tiempo es algo que no me apetece demasiado dejar pasar, porque pasa demasiado rápido.
Cómo crear un arco de redención en tu historia
Formación y Recursos para Guionistas de Cómics
Si te sigue interesando ser dibujante de cómics, puedes empezar a aprender con esta guía para dibujar cómics. Nací hace 33 años en Barcelona. Allí viví hasta los 8, pues me mudé con mis padres a un pueblo costero en la provincia de Girona. Pero aún a mi corta edad, ya había empezado mi relación con los cómics. Por aquel entonces mi hermano mayor solía traer cómics a casa, procedentes de uno de aquellos quioscos de antaño donde tenías la opción de intercambiar cómics, así podías leer cada semana novedades sin necesidad de por ello desembolsar un duro. Nada más leer un cómic de Spiderman, que entonces editaba Vértice en blanco y negro, me apasionó. Desde entonces hasta ahora, he seguido las aventuras del trepamuros y continúa siendo mi personaje superhéroico preferido. Una vez mudado, no tuve más remedio que empezar a comprar cómics con la paga semanal y me convertí realmente en un coleccionista.
Años más tarde, con unos 15, me regalaron una máquina de escribir Olivetti. En poco tiempo le saqué partido al estupendo regalo. Empecé a escribir aventuras en forma de relato sobre mis amigos más cercanos y un servidor. Eran aventuras imposibles con las que luego nos divertíamos todos juntos leyéndolas. De ahí pasé a la edición de un fanzine que bauticé con el nombre de Auténtico y donde, dos de esos amigos, hermanos entre sí, dibujaban mis guiones sobre dos personajes de corte superhéroico. Recuerdo que me pasaba noches enteras recortando y pegando (lo que técnicamente se conoce como maquetación) las páginas de Auténtico, con una ilusión increíble. Tenía ante mí una idea propia que tomaba forma sólida y que se convertía en un producto que había salido de un enorme esfuerzo mío y de mis compañeros. Ese fanzine llegó hasta su número 8, no podía seguir perdiendo dinero por mucho que mis ilusiones continuasen intactas. Pero bueno, tiempo después volví a llenarme de valor y ataqué con un nuevo fanzine llamado Indispensable. Para entonces la informática había mejorado (aunque nada que ver con los medios con los que ahora contamos, por supuesto) y la maquetación era de mayor calidad. Pero 4 números después volví a abandonar. Seguía escribiendo, puliendo mi estilo, absorbiendo estilos y técnicas de los guionistas que más me atraían (Frank Miller siempre ganaba por goleada en ese apartado).
Participé en un concurso de cómics de Cornellà de Llobregat en Barcelona y quedé finalista. Luego contacté con la editorial zaragozana Burz Cómics y me lanzé a la aventura de la autoedición con un cómic llamado Black Clark con los dibujantes Hernan Fino y Javier S. Aranda. Como siempre, las expectativas fueron mucho mayores que el éxito final. Durante una temporada dejé de escribir, más por falta de tiempo y medios que por ganas. Estaba seguro de que, un día u otro, volvería al mundillo con más fuerzas. Y así fue, nuevamente volví a mudarme, hace casi 4 años que vivo en Vigo, y ha sido en esta etapa de mi nueva vida donde he empezado a encontrar un camino que me satisfaga en la escritura de guiones.
He conocido a muchas personas en estos últimos años, la mayoría autores como yo, y la mayoría dibujantes. Me he hecho socio de la AACE (Asociación de Autores de Cómics Españoles) y he creado numerosos proyectos. Estoy en un momento en el que sé lo que puedo dar, lo que puedo aportar, al mundo del cómic. Conozco mi estilo, me siento cómodo con él, sé cuales son mis virtudes y cuales mis limitaciones. El año pasado gané un concurso con un dibujante de Vigo y en la actualidad estoy preparando un proyecto para una independiente de USA. Me siento capaz de todo, pero por otro lado me siento limitado por todo. Es como si tuviese alas y me las atasen para que no pudiese levantar el vuelo.
Estamos a una semana de que arranquen los cursos en Guiones y guionistas. Qué nervios. Estoy ya grabando los videos y ya veréis qué prácticos. Porque, a diferencia de los podcast, propongo muchos ejercicios para que podáis ejercitaos en el arte de los guiones. Cuando escribimos un argumento para una película o una serie buscamos la originalidad y lo desarrollamos con imaginación pensando que es algo único. Pero la mayoría de las veces nos encontramos con alguien que nos comenta que se parece mucho a la historia de tal o cual película o libro. En estas semanas hemos visto varios términos de la técnica de guion que nos ayudan a construir nuestra historia. Como por ejemplo logline y storyline. ¿Tenéis claro ya cuál es la diferencia, no? Os pongo los capítulos en las notas del programa por si no los escuchasteis. Y volvemos a las técnicas narrativas con un término que muchas veces se utiliza mal. Me refiero al flashback. Basta con que la historia se traslade al pasado para que digamos que es un flashback, pero no siempre es así. Hay un término que es “racconto” que se utiliza también para las escenas retrospectivas. Hoy dejamos de lado el sector audiovisual y cambiamos de medio porque veremos qué hace un guionista en el mundo del cómic.
Es muy interesante, porque aunque seas guionista y lector de cómics hay muchas cosas que no te planteas hasta que no te las dicen. Hoy vamos a ver de forma general cuál es el trabajo de un guionista. Como expliqué en el podcast de presentación, todos los soportes precisan de un guion pero en cada uno de ellos es diferente. ¿Quieres hacerte un hueco en el audiovisual? Necesitas cumplir con los requisitos para ser guionista en [anoactual]. Estar al día con las exigencias del sector y formarte para obtener las herramientas adecuadas. En este artículo te encontrarás con consejos para lograrlo. ¿Qué hay que estudiar para ser guionista? Puedes optar por estudios universitarios, de postgrado o una formación práctica y especializada. Si tienes claro que quieres ser guionista y hacerte un grado universitario, Comunicación Audiovisual es para ti. Las carreras en humanidades también son una opción para que ganes un contexto histórico que te dé ventaja sobre otros perfiles especializados en el audiovisual que no lo tienen. Necesitas 240 créditos ECTS para superar una carrera y formarte en áreas que van más allá de las funciones de un guionista. También existen escuelas de cine, donde puedes especializarte para aprender a escribir guiones de cine. Formarse en una carrera requiere de un tiempo y sacrificio que no todo el mundo está dispuesto a hacer si tiene claro que quiere conseguir trabajo como guionista y cuanto antes.
Un buen guionista tiene un perfil específico que combina creatividad, visión técnica y audiovisual, junto con un dominio del formato literario del guion. Un guionista vive de crear historias y participar en producciones. Un guion tiene un formato con unos requisitos literarios específicos, pues su destino es que sean interpretados y representados. En las producciones, los guionistas cooperan con otros departamentos: la dirección ejecutiva, la realización, los intérpretes, el equipo técnico. De hecho, son el pegamento que une la historia, rodaje y la puesta en marcha del proyecto. ¿Tienes el perfil? Más allá de tus aptitudes, para ser un guionista profesional necesitas una estrategia que te ayude a firmar proyectos y empezar tu carrera. El mercado audiovisual va de la mano con el avance tecnológico, por eso siempre está en evolución. Presta atención a los nuevos formatos, donde se concentra la inversión y esfuerzos de las productoras. Si tienes iniciativa y otros compañeros con distintos roles en audiovisual, puedes montártelo tú mismo. Tu principal función será la de redactar guiones de televisión, cine, radio, etc. Crearás la historia y la plasmarás en un texto. Corre de tu mano la narración, la creación de los personajes y lo que estos dirán. Las opciones de trabajo tras estudiar para ser guionista son amplias. Podrás desarrollar tu potencial creativo escribiendo guiones para cine, televisión (programas de entrenamiento, de ficción, concursos, talk shows), documentales, cómics, videojuegos o internet (webseries, tutoriales, podcasts). Existen muchas y muy variadas opciones para desarrollar tu carrera profesional tras estudiar para ser guionista. Podrás desarrollar una amplia gama de funciones en diferentes sectores del mercado audiovisual y tendrás una profesión creativa y con opciones de empleo. Si te apasiona escribir y quieres apostar por vivir de tu vocación, en Campus Training te ayudamos a conseguirlo de forma fácil. ¡Conviértete en guionista audiovisual! Transforma tu perfil para convertirte en guionista audiovisual y ofrecerle al mundo tus mejores historias. ¡Da el primer paso para cambiar tu futuro profesional! Rellena el formulario para conseguir toda la información de nuestros asesores sobre el Curso de Guion Audiovisual.
El sitio Web 9A pretende ser un complemento de aprendizaje hacia el oficio de ser guionista, un trabajo en el que me aproximo al entendimiento existente de saber como estructurar una idea, para la realización de guiones, tanto sea el formato cómic o cine . Para ello este curso te brindará todas las herramientas para que puedas estructurar de manera adecuada todas tus historias empleando 22 videos interactivos que podrás ver en nuestro canal de YouTube. Espero que este blog se convierta también en un lugar de encuentro entre los posibles futuros guionistas y dibujantes de comics, de modo que aquellos interesados en los temas tratados, en él podrás intercambiar opiniones, sugerencias, críticas sobre los videos y todo lo que se os ocurra. Cada semana procuraré añadir nuevos materiales: vídeos, libros, entrevistas, étc..., de forma que este blog termine siendo una extensión multimedia para su trabajo. Un saludo a todos y ¡gracias por confiar en este proyecto!
