Hace ya tiempo que el cómic dejó de ser cosa de niños. El auge de las películas de superhéroes en la última década, junto al éxito en occidente de cómics orientales (mangas, manhuas y manhwas) ha revivido más aún el fervor por este formato. El cómic es un formato visual que emplea vistosas ilustraciones y a menudo texto escrito para narrar historias. La mayoría de viñetas se apoyan en bloques de texto más bien breves llamados bocadillos, utilizados tanto para expresar diálogos como onomatopeyas de efectos sonoros. Para ilustradores y adeptos del mundillo, no hay nada igual que las historietas ilustradas. El dinamismo del género ha derivado en tantos subgéneros como podamos imaginar. Por último, no debemos perder de vista que, ante todo, el cómic busca contar una historia.
La realización de un cómic es una ardua tarea que llevará muchas horas, por lo que hay que creer y querer a la idea que se vaya a desarrollar. Hay que tener muy clara la idea central de la historia de principio a fin, pero especialmente el desenlace.
El cómic americano o el europeo, el manga o una tira cómica tienen estructuras y longitudes muy distintas y conviene tener una referencia a la que acercarse.
En mundos de fantasía, crean un mapa de la geografía del lugar, nombran sus regiones y trazan en él el viaje de los protagonistas. En cuanto a los personajes, es buena idea crear fichas individuales para cada uno donde se revelen sus características físicas y de personalidad, se dibujen varias vistas y se ahonde en su pasado.
Es hora de poner por escrito toda la historia. Una buena práctica es hacerse un esquema del hilo principal y los hitos intermedios de la trama, colocándolos cronológicamente.
El storyboard es la historia completa, ya dispuesta en viñetas hechas con bocetos provisionales que servirán de guía visual. De lo que se trata es de hacer el blocking de cada escena, sin necesidad de rematar los detalles y acabados. En la disposición de los elementos en la viñeta es importantísimo adelantarse a la posición de los bocadillos de diálogo.
Una vez todas las viñetas estén bocetadas, se pasa a realizar la versión definitiva del storyboard a lápiz, refinando los trazos, cuidando los acabados y rematando las estructuras.
Si se ha optado por el papel como soporte, para la versión definitiva de los dibujos se repasan las líneas con tinta.
Este paso es opcional, dado que no todos los cómics son a todo color, especialmente los impresos. La elección de la paleta de colores, cuya importancia ya tratamos en este artículo, es determinante para la definición del estilo visual del cómic y debe hacerse en consonancia con lo que se quiera transmitir.
Si se cuenta con una letra atractiva y perfectamente legible, es posible escribir los bocadillos a mano, pero en general es más práctico escanear todo el cómic y añadirlos digitalmente.
Técnicas y Herramientas para Colorear Cómics
Las técnicas para pintar cómics han evolucionado gracias a la tecnología y los programas como el Photoshop, el Painter o el Manga Studio Pro. Los instrumentos que hemos considerado (plumilla, pinceles, rapidograph y rotuladores negros, y el material de tramas móviles negras) producen el denominado dibujo «pluma», de fácil reproductibilidad con los medios tradicionales y de bajo coste de reproducción: se trata de los instrumentos más usados en la historia del cómic.
Tradicionalmente, el color que se quería añadir a los dibujos creados con estas técnicas no era aplicado directamente por el dibujante, sino en la fase de impresión tipográfica en base a las indicaciones del dibujante de cómic.
Una técnica clásica para obtener los matices del gris consiste en diluir la tinta china con agua y extenderla con un pincel, exactamente como se hace con las acuarelas. El efecto es igualmente el acuoso y desleído de las acuarelas. Puede ser, de todos modos, utilizado de manera más suave o más dura, aun cuando persiste una cierta suavidad en cada caso.
Los lápices de colores son un instrumento delicado que permite, sin embargo, una mayor definición y una menor suavidad que las tintas chinas y las acuarelas. Los efectos un poco traslúcidos son frecuentes, y rara vez las imágenes coloreadas con esta técnica prescinden de las líneas negras de contorno.
Un comentario aparte merecen, en cambio, los pasteles al óleo. Lorenzo Mattotti los ha convertido últimamente en un instrumento de gran fuerza expresiva haciendo un uso intenso y emotivo del efecto de desgranamiento físico que los caracteriza. Los pasteles al óleo se mezclan entre sí con dificultad, más que mezclarse parecen «ensuciarse». De este modo se obtienen fondos vagamente planos que adquieren un espesor físico con las aureolas que los rodean.
Los rotuladores en color comparten con los lápices la forma y el modo de empleo. Pero el efecto es completamente distinto. La viñeta de Andrea Pazienza muestra bien la brillantez un tanto psicodélica de estos colores y el aplanamiento que comparten con los acrílicos. Un poco de acrílico está presente en esta imagen, en los matices del traje.
El aerógrafo es un instrumento que permite efectos de un impresionante realismo. El color es pulverizado sobre el papel y la distancia desde la que se efectúa la operación determina su intensidad. Por medio de plantillas provisionales se consigue dibujar las líneas de contraste neto. En el cómic es utilizado por pocos autores, entre otros, el norteamericano Richard Corben, que lo ha convertido en el instrumento para construir un universo de monstruos con una técnica que reproduce una inquietante verosimilitud.
La mezcla de técnicas, por último, es muy usual. Más raro es acaso que un autor haga uso de un solo instrumento. Como único ejemplo de técnica mixta mencionaremos una imagen clásica del maestro más creativo de la generación surgida en los años cincuenta, el argentino Alberto Breccia. En esta imagen hay ciertamente mucho pincel, en parte usado en seco (es decir, con poquísima tinta china, para conseguir unas estelas desiguales de blanco), pero se usan también almohadillas, albayalde, plumilla…
Pintura Digital: Eficiencia y Creatividad
Un programa de pintura digital es un software para crear arte en un ordenador. A estos programas también se les puede llamar herramientas de pintura digital o software de dibujo. “Pintura digital” se refiere a las ilustraciones dibujadas usando una tableta digital o incluso un ratón y un programa de dibujo digital en un ordenador.
Después de entintar tu dibujo puedes volver a hacerle los ojos para crear una expresión facial diferente (un guiño, por ejemplo).
Aunque el coste inicial de los materiales de arte digital sean bastante elevados, rara vez tienes que sustituirlos. El único elemento que tendrás que comprar varias veces será, seguramente, la punta del lápiz. Por estas razones, a la larga es más económico.
Cuando terminas de pintar, tienes que limpiar el pincel, recoger el lienzo, limpiar el exceso de tinta de la plumilla, etc. En el caso de la pintura al óleo, tienes que perder un poco de tiempo preparando una sábana o un papel que proteja el suelo antes de ponerte a trabajar. Además, es necesario ponerse ropa que no te importe manchar de pintura. Cuando trabajas con el ordenador solo tienes que encenderlo, iniciar el programa y empezar a dibujar. Igual de sencillo es recoger los materiales: guardas el archivo y apagas el equipo.
En el caso de la ilustración digital, niveles como la claridad o la oscuridad de la ilustración son muy fáciles de conseguir. Hay gente a la que le encantan estos procesos de la ilustración digital. También pone a tu disposición motivos y tramas para dibujar personajes con telas y estampados maravillosos. La gran variedad de escenarios disponibles también ayuda a la gente que no está acostumbrada a dibujar fondos.
Calcar es trazar exactamente una foto o una imagen a partir de otra. Calcando puedes dibujar las partes más complicadas de una ilustración, como un edificio realista, o puedes trazar las líneas de una fotografía. Tradicionalmente se usa papel de calca o papel cebolla, pero este método resulta insuficiente para trazar con precisión los pequeños detalles. En digital, puedes crear una capa encima de la imagen y comenzar a calcar.
En el dibujo digital, las líneas tienden a la uniformidad y a la homogeneidad. Por eso, como sabemos que podemos corregir el dibujo en cualquier momento, solemos dibujar con menos cuidado o de forma más esquemática en digital.
La sensación del lápiz de la tableta digital, por otro lado, es diferente de la de un lápiz normal. Puede pasar un tiempo hasta que se aprenda a controlar. Además, al usar una tableta digital, hay que acostumbrarse a la distancia que hay entre el monitor y la tableta (a menos que uses una con pantalla incorporada).
Colorear comics con Photoshop tiene algunas características técnicas que tal vez resulten confusas a los no iniciados, por lo tanto voy a tratar de explicarlo lo mas fácil posible, paso a paso. Para colorear comics voy a usar el programa Photoshop, por ser un estándar en la industria (Aunque esta teniendo competencia desde hace unos años), seguramente otros programas (Clip Studio, Sai, etc) tienen herramientas sistema similar para colorear.
Al abrir la pagina escaneada, nos asegurarnos que tenga una calidad aceptable. ¿Porque 300 DPI? : Siempre es debemos colorear al menos a 300 DPI (¡Al menos!, podemos hacerlo a mas DPI), esto nos asegura que nuestra pagina de cómic tenga la calidad que necesita la impresión offset o digital de calidad.
Paso 2 Transformamos la imagen a Mapa de Bits: Imagen > Modo > Mapa de bits. De esta forma seleccionaremos todo lo blanco y al hacer click en la tecla SUPR o Delete de nuestro teclado eliminaremos todo lo blanco de la imagen.
Paso 6 El último paso es ir a Imagen > Modo > CMYK (CMYK es el modelo de color que se utiliza para impresión offset, mientras que RGB es el modelo que utilizamos en pantallas. Nota ¿Para qué transformamos en BMP? Al transformar la página a BMP eliminamos los grises.
Paso 2 Usando la misma herramienta Selección y el Bote de Pintura coloreamos al personaje en una nueva capa. También creamos una capa para las “calles” de la página. Nota: El número de capas puede variar según la necesidad o la comodidad del colorista.
Paso 1 Lo fundamental en este paso del coloreado es identificar de donde viene la luz. En este caso, la cara del personaje.
Contraste de color: En la ilustraciones, la pintura y los cómics usamos contrastes para acentuar un punto focal o dar armonía a la composición de la imagen. Los mas comunes son los contrastes de temperatura, de tono, de saturación, etc. En el contraste de valor (o contraste de luminosidad) se yuxtaponen colores de valores claros y oscuros cuyo contraste aumenta cuanto mayor sea la diferencia de luminosidad. Para hacer esto, podemos pasar la imagen a escala de grises desde Imagen /Modo / Escala de grises, pero claro, esto sera sumamnete engorroso.Para hacerlo de una forma mas sencilla, vamos a crear una nueva Capa por encima de las demás. Supongamos que coloreamos la pagina del cómic y al verla terminada nos parece que quedo saturada o con poco contraste o algo por el estilo. Creamos una nueva capa y vamos al boton Capa de ajuste o relleno. A manera de ejemplo, vamos saturar la pagina, vamos a Tono/ saturacion y subimos la saturacion. La ventaja de hacer los ajustes en una capa es que esta edición no es destructiva, el color original quedara debajo de esta capa sin ser alterado de ninguna forma.
Consejos para un Coloreado Eficiente y Atractivo
¿Cómo? ¿Es siquiera posible? Como artistas de cómics, queremos que nuestro cómic se vea bonito, pero al mismo tiempo, ¡no queremos dedicarle demasiado tiempo ya que hay tantos paneles que colorear! Si eres principiante, también te ayudaré a no cometer los mismos errores que yo cometí al pasar de ilustraciones a cómics...
Primero, ¡asegúrate de haber elegido colores específicos para cada uno de tus personajes! Pero lo más importante, ¡tienes que crear un conjunto de colores para cada personaje! Será muy útil más adelante.
¡Comencemos con los colores base! En cuanto a la eficiencia, la palabra clave es probablemente...
Será aún más complicado al añadir fondos y efectos.
El segundo consejo se refiere al orden en que coloreas tu cómic. De hecho, ahora mismo solo estamos trabajando con unos pocos paneles. Pero cuando tienes un capítulo entero que colorear, te recomiendo no colorear cada panel uno por uno. De esta manera, evitas cambiar de colores y capas todo el tiempo!
Colores base: ¡Listo!
Como puedes ver, ¡la cantidad de detalles depende de la escena que estés dibujando! CONSEJO: ¡No intentes pintar cada panel perfectamente! Especialmente si es tu primer cómic, quizás quieras que cada dibujo se vea hermoso... ¡Pero perderás tu tiempo!
En cuanto a los colores base, procederemos pintando una parte específica (la piel de la chica, el cabello del chico...) al mismo tiempo, en cada panel del episodio. CONSEJO: ¡Es aún más importante proceder de esta manera para el sombreado en lugar de pintar cada panel por separado! Terminarás el capítulo mucho más rápido, ya que no tienes que cambiar de pinceles, colores y capas todo el tiempo.
Por supuesto, esta es solo una forma personal de dibujar el cabello. ¡Deberías encontrar tu propia forma simplificada! Pero tienes que encontrar una manera más fácil y rápida que cuando haces ilustraciones.
Cuando empecé a hacer cómics, siempre hacía sombreados muy complejos, especialmente para la ropa... Así que, para evitar perder tiempo y simplificar mi estilo artístico para que fuera más adecuado para cómics, empecé a usar... ¡La Pluma G! Como puedes ver, apenas hice sombras para el traje, y ninguna en la corbata. La que está arriba del todo es para la luz. La segunda es para el sombreado. La segunda es para el efecto de rubor. Por supuesto, el uso de la Pluma G es solo un consejo para personas que siempre hacen demasiados detalles como yo. ¡Pero todo depende de tu estilo artístico!
Para un sombreado eficiente, solo uso un tono único para sombrear. También te permite no dedicarle demasiado tiempo al sombreado.
Quería conseguir un efecto "dramático", así que usé dos colores diferentes para sombrear el cabello. Da un efecto de luz lateral/contraluz.
¡Usando degradados! Creé un degradado en la sudadera con la herramienta de degradado. Luego, añadí algunos destellos para que pareciera un cielo con estrellas. ¡Me tomó menos de un minuto y sin sombreado!
Algunos paneles pueden no ser importantes, o pueden representar a un personaje un poco lejos. Para este tipo de paneles, ¡recortar una capa en modo "Pantalla" encima de los colores base y dibujar luz con ella debería funcionar! En este ejemplo, no sombreé el traje del chico. De hecho, no quiero que los lectores se centren en él. Quiero que se centren en la reacción de la chica. Si coloreo al chico de una manera demasiado detallada, podría confundir al lector sobre en qué debe prestar atención.
Puedes usar la goma de borrar suave para suavizar el borde de tus sombras y hacer que parezca que hiciste un degradado y usaste diferentes tonos. El dibujo parecerá más elaborado.
¡Añade patrones! Elige un patrón y recorta la capa del patrón en la ropa.
Sí... Pero como sé que a muchos de nosotros no nos gusta mucho esta parte, te daré consejos sobre... ¡cómo no dibujarlos! En realidad, al dibujar cómics, la mayoría de los paneles no tienen fondos reales.
Crea una capa para el fondo de cada panel y rellena el espacio donde se agregará el fondo (aquí en rojo) en cada una de esas capas. Cada capa debe corresponder al fondo de un panel. CONSEJO: ¡Para evitar huecos no deseados, usa la herramienta de relleno de antes!
Elige un fondo en la sección de materiales.
En algunos paneles, ¡usar pinceles puede ser suficiente para conseguir un fondo genial! Especialmente para escenas divertidas. O incluso para dar una sensación diferente, como si el personaje estuviera en su propio mundo. También puede hacer que el lector se centre más en el personaje... ¿Recuerdas? ¡Siempre tienes que considerar la escena y el momento que estás dibujando! Aquí, dibujar algunos efectos con un pincel en lugar de pintar un paisaje da un ambiente romántico. Esta vez, ¡las estrellas dan un ambiente lindo! En lugar del ambiente dramático que tuvimos antes. Al usar pinceles como este, te recomiendo que elijas un color del cabello o los ojos del personaje. Se adaptará mejor al personaje. Ve a la carpeta "Fondos" > Selecciona la capa del fondo que quieres modificar > Bloquea los píxeles transparentes > Colóralo de blanco > ¡Añade efectos con pinceles!
Elige un fondo 3D de los materiales. CONSEJO: De nuevo, puedes descargar nuevos en CSP Assets...
Recorta este fondo en una de las capas de fondos.
Selecciona la capa del fondo 3D. Crea una selección a partir de esta capa (Capa > Selección de capa > Crear selección). Copia/Pega el cielo y coloca la capa de la copia encima del fondo 3D. Establece la capa de la copia en "Superponer". Deselecciona.
Fondos: ¡Listo!
Pero... ¿No falta algo? Los personajes no se mezclan bien con los fondos. Solucionaremos esto con algunos consejos de acabado, ¡que harán que nuestros paneles sean bonitos! Sin gastar tiempo ni esfuerzos.
Con la herramienta de aerógrafo, elige colores del fondo. Rellena tus personajes con estos colores en las capas que acabas de crear. Elige una fuente de luz y coloca colores más claros en el lado de donde proviene la luz.
Configura esas capas en "Multiplicar".
Añade algunos destellos para unificar tus personajes y el fondo. CONSEJO: Como puedes ver, usé colores más claros en la chica para hacerla lucir más destacada. También puse una opacidad más alta para la capa de multiplicar sobre el chico. Esto hace que se vea menos visible. Al hacer cómics, no tienes suficiente tiempo para idear una iluminación elaborada.
Toma la herramienta de aerógrafo. Baja la opacidad. ¡También puedes ser más original y usar un pincel especial! De lo contrario, puedes añadir luz solar con el pincel predeterminado Pentagonal "suave" (Decoración > Efectos).
Efectos: ¡Listo! ¡Finalmente! Terminamos de colorear nuestro cómic. ¡Ahora espero que hayas disfrutado de este tutorial y aprendido algunos consejos nuevos!
CONSEJO final: Está bien si tus dibujos no son perfectos. Está bien que se vean mal, especialmente si eres principiante. Al leer webcómics profesionales, también verás algunos defectos! Dibujar un cómic es un trabajo complejo que requiere mucha pasión. Siempre debes compararte con tu yo pasado, y no con otras personas. ¡Ánimo!
¿Quieres Colorear como un PRO? Aprende Aquí
No es por nada, pero creo que esta es una de las mayores deficiencias que hay en el comic peruano. He visto algunos buenos artistas, algunos de larga trayectoria, que no podrían pintar una página ni para salvar sus vidas.Si lo pensamos detenidamente, el mayor culpable entre la gente joven es el adobe photoshop, más conocido como el "hey mamá! mira! puedo dibujar!". Cualquier persona que use este programa puede pintar, dar efectos y hacer lo que le de la reverenda gana con el dibujo. El gran problema de esto, como se imaginarán, es que no obliga al artista a pensar en colores, en la armonía de estos y en el efecto que determinadas combinaciones transfieren al lector. Hay un motivo por el cual esto se ve genial...(nótese que el cielo no es azul)...Y esto... no.(esa trifecta de azules es para meterse un tiro en la cabeza)Menciono esto porque hace poco leí este post de Gene Fama en el que dice lo siguiente:"Los coloristas modernos necesitan un control de daños. Un buen colorista debe usar menos, no más. Los de hoy en día usan muchos colores, mucha tinta, muchos efectos. Los comics se ven distorsionados y grotescos con el 'airbrushing' fálico que aplican y los efectos baratos de transparencia."Es cierto. No quiero decir nombres, pero hay muuuuchos dibujantes que podrían tomar una clase o dos de coloreado básico. Felizmente existe el internerd y pueden clickear en el lick de arriba para descubrir ciertas nociones básicas y elementales; cosas como 'el mejor color de todos es el blanco' o 'menos es más'.O mejor aún, clickeen aquí y vean el trabajito que ha hecho Ed Piskor, de adaptar la guía clásica de 64 colores, haciendo una versión moderna de photoshop en la que asigna los valores correspondientes a cada color de la tabla. Si tienen dudas sobre si están pintando bien o no sus trabajos, entren y denle una chequeada. Los puede ayudar.Finalmente, y para ejemplos más modernos, lean este post de Jim Rugg en el que habla del trabajo de Brian Stelfreeze, quien (les guste o no su trabajo) es un ejemplo moderno de comics pintados correctamente. Como dice Rugg:"Stelfreeze usa el color como un elemento de diseño y a menudo simplifica su paleta (siguiendo el modelo de los colores limitados de antaño). Hace un bueno uso de paletas cálidas y frías para ambientar escenas, crear atmósferas y dar profundidad. Pero no solo eso. También las usa como indicador temporal para hacer cortes entre paneles y para maximizar el contraste - una parte vital de las páginas y de los diseños."¿Notan el amarillo en la última viñeta? A eso se refiere. La próxima vez que vean un comic pintado, o estén haciendo uno, pregúntense todas estas cosas: ¿Por qué estoy usando este color? ¿Qué efecto quiero recrear? ¿Los colores están en armonía? El coloreado es todo un mundo, y de no ser usado correctamente, puede entorpecer sus trabajos. Ojalá les sirva de ayuda.Y para no hacerla más larga, los dejo con este post antiguo sobre las enseñanzas de John K.
